THE HAPPY HUNTING GROUNDS

Le ciel virtuel s'entreouvre...

2010-01-29T09:38:00.000+01:00

pour nous délivrer la bonne parole de Marty Wilson-Piper.

Des explosions dans le ciel...

2009-11-05T23:06:00.000+01:00

J'aime beaucoup cette association de mots...qui a pour moi une véritable connotation psychédélique. En effet, ceci est associé avec les effets spéciaux employés dans certains films des 70's et des 80's (du style cloud chamber ou cloud tank, une sorte d'aquarium rempli d'eau que l'on filme sur un fond neutre et dans lequel on verse différents produits, comme du lait, de la peinture pour créer des formes nuageuses et autres effets atmosphériques) pour évoquer l'immersion dans des univers lysergiques, oniriques voire même des incursions dans des contrées proches de la folie...

Explosions in the sky est aussi le nom d'un groupe de post rock américain instrumental d'excellente facture...Jamais ennuyeux, l'étrange poésie un peu triste des titres des morceaux et le niveau des musiciens pallient efficacement à l'absence de chant. Beauté éthérée et puissance se dégagent des compos organisées autour d'une formation rock standard (deux guitares, une basse et une batterie)...Ici, pas de synthés, de loops et de sampling. Seulement les pédales d'effets utilisées avec justesse et bon gout (j'ai rarement entendu une utilisation de la distorsion et du lo-fi aussi mélodique que cela), vraisemblablement peu de post production en studio. Le mastering est réduit à sa plus simple expression faisant ressortir ainsi le coté organique de la musique (on entend les doigts sur les cordes vibrer lors des hammers, harmoniques et autres guili-guilis guitaristes, les sticks frapper la peau de la caisse claire...). L'ambient rock exite...Si je devais les comparer à quelque chose d'existant, je dirais qu'ils se situent à la croisée des chemins de The Cure (époque "carnage visors"-face B de la version cassette audio de l'album Faith de 1981), de Sigur Ros, et de Brian Eno...en beaucoup plus chaleureux!!!

A écouter d'urgence!!!!

2000 (reissued in 2005) - How Strange, Innocence

1. A Song for Our Fathers

2. Snow and Lights
3. Magic Hours
4. Look into the Air
5. Glittering Blackness
6. Time Stops
7. Remember Me as a Time of Day

2001 - Those Who Tell the Truth Shall Die, Those Who Tell the Truth Shall Live Forever

Ce titre vient d’un documentaire dont les membres du groupe ont entendu parler. Cependant aucune trace de ce documentaire n’a jamais été trouvée. Le titre signifiant une certaine dualité que peut rencontrer chaque être humain durant sa vie. Cette vie qui peut être parfois “misérable et horrible” mais aussi “belle et magnifique et remplie de joies”. Ils trouvent l’enregistrement de leur second album très comique puisqu’ils se sont retrouvés dans une maison sans chauffage au milieu de nulle part. Avec la parution de ce second album, le groupe obtient l’attention des médias car l’album contient l’image d’un avion avec comme légende: ”cet avion s’écrasera demain”. De nombreuses sources prétendent que l’album est sorti le 4 septembre 2001, une semaine avant le 11 septembre 2001, mais une interview pour Skyscraper Magazine à l’été 2004 révèle que l’album est sorti réellement en août 2001. Les membres du groupe expliquent d’ailleurs qu’ils avaient eu l’idée plus d’un an avant l’attentat du World Trade Center.

1. Greet Death
2. Yasmin the Light
3. The Moon Is Down
4. Have You Passed Through This Night?
5. A Poor Man's Memory
6. With Tired Eyes, Tired Minds, Tired Souls, We Slept

2003 - The Earth Is Not a Cold Dead Place

1. First Breath After Coma
2. The Only Moment We Were Alone

3. Six Days at the Bottom of the Ocean
4. Memorial
5. Your Hand in Mine

2004 - Friday Night Lights Soundtrack

1. From West Texas
2. Your Hand In Mine (With Strings)
3. Our Last Days As Children
4. An Ugly Fact of Life
5. Home
6. Sonho Dourado (by Daniel Lanois)
7. To West Texas
8. Your Hand In Mine (Goodbye)
9. Inside It All Feels The Same
10. Do You Ever Feel Cursed
11. Lonely Train
12. Seagull (by Bad Company)
13. The Sky Above, The Field Below (by Justin Stanley)
14. Slow Dance

2005 - The Rescue EP (Travels in Constants Vol. 21)

1. Day One
2. Day Two
3. Day Three
4. Day Four
5. Day Five
6. Day Six
7. Day Seven
8. Day Eight

2007 - All of a Sudden I Miss Everyone (Limited Edition)

Disc 1
1. The Birth and Death of the Day
2. Welcome, Ghosts
3. It's Natural to Be Afraid
4. What Do You Go Home To?
5. Catastrophe and the Cure
6. So Long, Lonesome

Disc 2
1. The Birth and Death of the Day (Jesu Mix)
2. Welcome, Ghosts (Adem Mix)
3. It's Natural to Be Afraid (The Paper Chase Mix)
4. What Do You Go Home To? (Mountains Mix)
5. Catastrophe and the Cure (Four Tet Mix)
6. So Long, Lonesome (Eluvium Mix)

Je vais me permettre une petite digression littéraire...Par le plus grand des hasards, la musique des explosions in the sky m'a servi de bande originale de l'excellent livre de Cormac McCarthy: la route. Il était étonnant de voir comment les deux choses pour moi se synchroniser...Les fragiles mélodies allant de pair avec le rare degré d'émotion atteint pour moi dans un livre...Soupir...

Dans ce livre, l'apocalypse a eu lieu. Le monde est dévasté, couvert de cendres. On ne sait rien des causes de ce cataclysme. Un père et son jeune fils errent sur une route, poussant un caddie rempli d'objets hétéroclites et de vieilles couvertures. Ils sont sur leurs gardes car le danger peut surgir à tout moment. Ils affrontent la pluie, la neige, le froid. Il ne reste des hommes que les cadavres ou des silhouettes implorantes proches de leur dernier souffle. Le père et le fils ont peur, mais marchent vers la mer.

Ce roman est à la fois parabole sur le sens de la vie, conte funèbre, réflexion sur la paternité et la transmission et roman initiatique. La simplicité de l'histoire et un certain nombre de partis pris (absence de nom et de prénom, de repère temporel, opposition entre le père témoin d'un monde qui n'existe plus/le petit qui n'a jamais vu ce monde...) donnent toute sa force symbolique au roman, autorisant de nombreuses interprétations. La construction sans chapitre faite de succession de courts paragraphes est captivante. Le style dépouillé, âpre, colle parfaitement au sujet du livre tout comme la routine dans l'action (chercher a manger, dormir au sec et avancer vers le sud constituant la plupart des actions des héros). Mais si le style est sec, l'émotion n'est jamais absente, la relation entre ce père mourant témoin d'un monde disparu et ce fils porteur d'avenir dans un monde détruit est toujours bouleversante, poignante. Et malgré l'économie de moyens, l'amour de ce père pour son fils transparait à chaque page...Merveilleux!!!(si je puis me permettre, bien sur!!!)

Des pépites inattendues dans votre chewing-gum télévisuel!

2009-10-28T23:00:00.008+01:00

Mis à part quelques morceaux tombés dans le patrimoine mondial (Amicalement votre - the Persuaders - de John Barry, Mission impossible et son fameux thème crée par Lalo Schifrin, Les Envahisseurs - The Invaders - avec Dominic Frontière etc...) la musique dans les œuvres télévisuelles ont été pendant de longues années les parents pauvres...Bien souvent, elle ne fait pas partie de l'élaboration du film et est commandée sur une fin de budget, le compositeur devant s'arranger avec le film déjà monté, limitant ainsi une véritable parentalité avec le projet initial.

Dans le milieu des années 80 et dans les séries américaines, on vit apparaitre l'utilisation de morceaux musicaux déjà existants. La première, autant que je me souvienne à utiliser ce procédé, fut Miami Vice avec l'emploi quasi systématique d'une chanson pop voire rock à tendance lacrymale et/ou à forte interraction avec l'épiderme humain pendant la scène dramatique ou romantique de l'épisode...Outre le coté émotionnel, cet artifice contribua aussi beaucoup au succès de la série en replaçant le cadre dans une réalité et une temporalité connue d'un grand nombre.

Plus récemment, Cold Case et les morceaux choisis pour la bande son procède de la même mécanique. Cette série nous narre les aventures de Lilly Rush, inspectrice de la Police criminelle de Philadelphie, chargée de rouvrir d’anciens dossiers classés sans suite sur des meurtres jamais élucidés. Les chansons choisies entretiennent le ton nostalgique de la série. Le principe est typique de la série : une chanson plutôt rythmée et entraînante de l'époque où a eu lieu le meurtre au début de l'épisode pour appuyer les images de gens vivant généralement leur vie de tous les jours, chanson interrompue peu après quand est soudainement montré le cadavre de la victime. Et, tout à la fin de l'épisode, une chanson triste de la même époque (généralement la seule à être diffusée en entier) pour renforcer l'impression de tristesse et de nostalgie apportée par les flashbacks montrant les protagonistes « à l'époque » et aujourd'hui.

A noter que certains épisodes ont utilisé les titres d'un seul artiste comme Bruce Springsteen, Bob Dylan, Johnny Cash ou encore U2 ou Nirvana, de ce fait les droits de diffusion de ces musiques sont tellement importants qu'ils empêcheraient toute sortie du feuilleton sur support DVD. Les créateurs de la série refusent même d'envisager une sortie DVD selon le principe utilisé pour la sortie en DVD de la série Deux flics à Miami c'est-à-dire enlever les différentes chansons utilisées dans les épisodes pour les remplacer par des réorchestrations ou par rien du tout, afin de ne pas payer de droits, en effet la musique et les chansons, déjà très importantes dans Deux flics à Miami, le sont encore plus dans Cold Case.

Le principe de la chanson ou du morceau mélancolique à la fin de chaque épisode est repris dans le turculent Dr House qui met en scène un brillant diagnosticien, passionné par les énigmes médicales, mais qui se trouve être un personnage arrogant, cynique, anticonformiste et asocial. Pour compléter le portrait, le docteur House s'habille n'importe comment, est mal rasé, marche avec une canne et abuse de Vicodin, un analgésique opiacé à base de paracétamol et d'hydrocodone, pour soulager sa douleur (autrement dit, il est totalement accro!!!). Les morceaux employés dans cette série (et dont on peut retrouver la liste ici) sont généralement dépouillés et à tendance néo-country et néo folk renforçant ainsi le coté profondément humain du personnage central.

Une version instrumentale de la chanson Teardrop, du groupe Massive Attack, sert de générique d’ouverture et de fin. La version originale est chantée par Elizabeth Fraser, ex-Cocteau Twins.et se trouve sur l'excellent album Mezzanine (mot de passe: chemicalbeats.blogspot.com) sorti en 1998

En cherchant, je suis tombé sur cette fabuleuse version acoustique de ce titre...Tout bonnement incroyable!!!!

En raison des droits d’auteur, cette chanson n’est pas utilisée pour les versions distribuées en France, au Royaume-Uni, Allemagne, Suisse (partie germanophone), Belgique, Australie, Portugal, Espagne, Italie, Irlande, Israël, Canada (pour la version en français), Nouvelle-Zélande, Pays-Bas, Hongrie, Grèce, Turquie et Amérique latine. À la place, un morceau instrumental créé pour la série, intitulé House end credits et composé par Scott Donaldson et Richard Nolan, remplace le générique original. Ce dernier est légèrement modifié à partir de la deuxième saison.

Dans la série anglaise Life on mars, la musique joue un rôle prépondérant...Déjà, elle est à l'origine du nom même de la série puisqu'il s'agit du titre de la chanson de David Bowie qui est écoutée par le personnage principal lorsqu'il retrouve propulsé en 1973.Une petite révision s'impose!

Par son omniprésence et la pertinence des morceaux choisis, la musique peut être considéré comme un véritable élément du décor,contribuant véritablement à l'immersion dans ce voyage temporel au sein des 70's anglaises. De plus, la musique est aussi très présente dans les dialogues. Ce trait est beaucoup moins visible dans la version française...Citons, par exemple la phrase culte d'un des héros principaux : "Trust the Gene Genie!" qui fait référence à la chanson The Jean Genie de David Bowie.

Il existe un fichier torrent qui regroupe une bonne partie des titres utilisés dans la première saison de cette excellente série.

Roxy Music — "Street Life"

Paul McCartney and Wings — "Live and Let Die"

Electric Light Orchestra — "10538 Overture"

John Kongos — "Tokoloshe Man"

Atomic Rooster — "Devil's Answer"

T.Rex — "Rock On"

Free — "Little Bit of Love"

Lee "Scratch" Perry and The Upsetters — "Jungle Lion"

Brief Interlude Dialogue — "Armed Bastards!"

Sweet — "Blockbuster!"

Faces — "Cindy Incidentally"

Ananda Shankar — "Snow Flower"

Slade — "Coz I Luv You"

Mott the Hoople — "One of the Boys"

Lindisfarne — "Meet Me on the Corner"

Frankie Miller — "I Can't Change It"

Thin Lizzy — "Whiskey in the Jar"

Audience — "I Had a Dream"

Uriah Heep — "Traveller in Time"

Nina Simone — "I Wish I Knew How It Would Feel to Be Free"

A noter qu'un spin-off (que je n'ai pas encore vu), Ashes to Ashes, en référence au nom d'une autre chanson de David Bowie, poursuit la série dans les années 1980.

Cette utilisation de la musique pop et rock, comme marqueur historique et comme véritablement élément primordial constitutif du décor, n'est pas vraiment une nouveauté. Au début des 90's, l'enfer du devoir avait expérimenté la chose. La preuve en image avec le générique avec Paint it black des Rolling stones:

S'il s'agit de l'histoire de la compagnie Bravo, un peloton de jeunes G.I's, pendant la guerre du Viêt-Nam à la fin des 60's, cette série ne montre pas que les aspects atroces de la guerre mais dépeint aussi les problèmes humains que rencontrent, au quotidien, ces jeunes soldats. L'utilisation d'une bande son absolument typique des 60-70's renforce à mon sens le coté sociologique de la série...Vous pouvez trouver la totalité des morceaux dans les liens suivants:

Avec True blood, qui nous décrit une coexistence entre vampires et humains au cœur d'une petite ville de Louisiane, la musique prend une dimension géographique voire sociétale. En effet, le soundtrack, un formidable panel de musiques sudistes actuelles et passées (allant du Nashville sound, au vrai Rythm and Blues, en passant par de la Soul, du Blues, du Zydeco ... ), nous plonge avec délice dans la Louisiane profonde avec son lot de ruralité, de sensualité et de sexualité. Aspect amplifié, entre autre, par le fait que toutes les scènes d'émotion se déroulent sur fond de valses au fiddle old time ou de cajun très dépouillé. De plus, tous les épisodes de la série ont été nommés en fonction d’une chanson que l’on peut entendre dans l’épisode même.

Il existe un fichier torrent de la bande originale de la première saison, ici.

1. Bad Things – Jace Everett (le générique!!!)

2. Bleed 2 Feed – C.C. Adcock, , Lafayette Marquis

3. Lake Charles – Lucinda Williams

4. Give It Up – Lee Dorsey

5. Swampblood – The Legendary Shack Shakers

6. Play with Fire – Cobra Verde

7. Just Like Heaven – The Watson Twins

8. Christine’s Tune [Aka DeVil in Disguise] – The Flying Burrito Brothers

9. Two – Ryan Adams

10. Strange Love – Slim Harpo

11. From a Whisper to a Scream – Allen Toussaint

12. I Don’t Wanna Know – Dr. John,

13. Golden State – John Doe, Kathleen Edwards

14. Bones – Little Big Town

Nous allons entrer maintenant dans la substantifique moelle de cette modeste étude avec la série qui m'a donné envie de faire ce petit billet...Il s'agit de Life, une série policière américaine apparue sur les écrans, fin 2007. Celle-ci met en scène un inspecteur de police, condamné à 12 ans de prison pour un crime qu'il n'a pas commis. Réaffecté à son poste (avec un dédommagement de plus de 50 millions de dollars) et totalement déboussolé par les nouvelles technologies apparues depuis son emprisonnement, il revient complètement marqué par cette expérience. En effet, pour pouvoir survivre à l'enfer de la prison, le personnage s'est réfugié dans la philosophie bouddhiste et autres pratiques zen... Comme vous pouvez aisément le deviner, l'ambiance de la série est totalement décalée. Cet aspect est illustré par un accompagnement musical de très grande qualité résolument "indie", c'est à dire en empruntant des morceaux produits en dehors des circuits commerciaux traditionnels et/ou appartenant à un courant underground ou avant-gardiste. On oscille electronica, ambient, post-rock et néo-folk à tendance urbaine...Dans l'épisode "La traversée du désert" (Evil... and His Brother Ziggy), un véritable coup de foudre musical avec The earlies avec Morning Wonder... Un petit joyau de "rural krautrock saupoudré de summer of love"...

L'histoire débute en 96 lorsque Gilles T. Hatton, musicien britannique ayant sévi à ses débuts sous le nom d'Atomic Clock, renverse accidentellement de la bière sur une table de mixage dans un studio mancunien et doit son salut à l'un des employés, l'américain John Mark Lapham. Ce dernier compose de son côté de l'ambient sous le pseudo d'Autio et sur le même petit label Beatnick Records. Les deux hommes sympathisent et finissent par monter The Earlies avec le pianiste de formation classique Christian Madden. Deux ans plus tard, J.M. Lapham, qui s'est depuis installé au Texas, rencontre le chanteur Brandon Carr et lui propose alors de poser sa voix sur les maquettes du groupe.

De 2002 à 2003, le quatuor publie ses premiers morceaux en autoproduction, à travers quelques singles (Song For #3, 25 Easy Pieces, The First Sound Of The Earlies) et un quatre titres, très sobrement intitulé EP4. L'année d'après, les Earlies sortent le single "The Devil's Country" et s'attellent à l'enregistrement de leur premier album These Were The Earlies. Le contenu de l'opus provient essentiellement de leurs livraisons précédentes, à ceci près que les chansons ont bénéficié pour le coup d'un bon lifting grâce au matériel auquel le groupe a pu avoir accès en studio. Le disque paraît tout d'abord en Grande-Bretagne sur l'écurie 679 recordings. Fidèles aux influences de ses membres, les chansons du groupe sonnent comme un mélange de prog et de rock psychédélique avec une touche de Beach Boys, de folk et d'electronica.

Ici et ici

"In the Beginning..."
"One of Us Is Dead"
"Wayward Song"
"Slow Man's Dream"
"25 Easy Pieces"
"Morning Wonder"
"The Devil's Country"
"Song for #3"
"Lows"
"Bring It Back Again"
"Dead Birds"

Les quatre comparses trouvent dans la tournée qu'ils organisent pour promouvoir le disque l'occasion de se voir tous ensemble pour la première fois. Et comme dit le dicton, plus on est de fous et plus ça fonctionne. La formation accueille donc pour le live de nouveaux instruments : synthés, violoncelle, saxophone, trompette, flûtes, tuba...

En 2005, l'album trouve un second souffle en sortant aux Etats-Unis sur le label indé Secretly Canadian et la major EMI pour l'Europe. A la même époque, le groupe participe à la compil hommage Dream Brother: The Songs of Tim and Jeff Buckley sur laquelle ils reprennent une chanson du padre intitulée "I Must Have Been Blind" et tirée de son quatrième album Blue Afternoon. Les Earlies reviennent dans les bacs à l'hiver 2007 avec leur deuxième opus The Enemy Chorus.

1. No Love In Your Heart

2. Burn The Liars

3. Enemy Chorus

4. The Ground We Walk On

5. Bad Is As Bad Does

6. Gone For The Most Part

7. Foundation And Earth

8. Little Trooper

9. Broken Chain

10. When The Wind Blows

11. Breaking Point

Influencés par le krautrock (Can, Faust ou Neu!), ils s'écartent un peu plus encore des chemins balisés de la pop tout en renforçant les orchestrations fastueuses et les harmonies vocales qui ont fait le succès du premier album.

Au début des années 90, le niveau des séries télévisées s'est considérablement amélioré: les intrigues et les personnages gagnent en profondeur, la réalisation lorgne de plus en plus du coté du cinéma et la musique est confiée à des compositeurs de talent qui tendent à s'éloigner de la musique classique traditionnelle pour des paysages sonores plus actuels.

Twin Peaks de David Lynch avec sa bande son mystérieuse en est peut être le premier exemple.

1. Twin Peaks Theme (4.45)
2. Laura Palmer's Theme (5.08)
3. Audrey's Dance (5.15)
4. The Nightingale (4.54)
5. Freshly Squeezed (3.48)
6. The Bookhouse Boys (3.24)
7. Into the Night (4.42)
8. Night Life in Twin Peaks (3.23)
9. Dance of the Dream Man (3.39)
10. Love Theme from Twin Peaks (4.34)
11. Falling (5.18)

Angelo Badalamenti nous plonge dans un univers étrange teinté de mélodies jazzy un peu surannées (qui symbolisent à la perfection cette petite ville qui semble restée dans les années 50), de dissonances comme on en entend dans la musique contemporaine (le mal étrange, diffus, qui vient déranger cette bourgade en apparence bien tranquille) et d'ambiances oniriques (le vibraphone omniprésent représente le monde du rêve, "l'entre-deux"...qui occupe une place centrale dans l'œuvre de Lynch)

A noter la présence de Julee Cruise, l'égérie de Lynch et de Badalamenti, dans cette aventure hors du commun. Personne n'a oublié Falling et l'interprétation surnaturelle de Cruise. Pour les retardataires (une vidéo rare -mais de médiocre qualité- en concert à New York)

Les deux compères sont respectivement le parolier et le compositeur de son excellent et onirique premier album Floating (1990) qui reste très proche de la B.O de Twin Peaks.

1 – Floating
2 – Falling
3 – I Remember
4 – Rockin Back Inside My Heart
5 – Mysteries Of Love
6 – Into The Night
7 – I Float Alone
8 – The Nightingale
9 – The Swan
10 – The World Spin

Peu à peu, Julee Cruise est devenue espèce de mythe semi-underground qu'il est toujours bon d'évoquer avec émotion. Mais on ne la relie qu'à un contexte, à un son particulier, comme si ça n'avait qu'un rêve évaporé. Pourtant elle existe toujours, encore une fois en invitée. Elle continue à poser sa voix sur des projets plus ou moins obscurs comme par exemple:

Time of Orchids - Sarcast While (2005)

01. Advent
02. It Gone
03. Ours, Engendered
04. Harness Well-Wishers
05. Man to Hide
06. Sinecure
07. High Enthusiast
08. Depending View
09. Swarm of Hope
10. Earned Over
11. Unpleasantries
12. Furtherance
13. Everyone Is Suspended
14. All We Ever Wish
15. Whim

Signé sur Tzadik, le label de John Zorn, on doit déjà se dire que ce n'est pas un disque aisé. Effectivement, c'est le pure musique d'avant-garde, bien déviante, mais quelle originalité ! Ils sont à mi-chemin entre grosso modo la dream pop Cruise-Badalementi-Lynch et la musique expérimentale ou /et conceptuelle!

Pluramon - Monstrous Surplus (2007)

01-Turn In

02-Border

03-If Time Was On My Side

04-Drowning In You

05-Snow Blow

06-Fresh Aufhebung

07-K-Land

08-Can't Disappear

09-If The Kids Are United

10-Fishing

11-So ?

Là, pas de problème, on tient à l'aise un des cinq albums shoegaze de la décennie. Pluramon, c'est le projet de Marcus Schmikler, qui, comme vous vous en doutez, est allemand. The Monstrous est vraiment le meilleur disque de Pluramon, le plus accessible et en plus pas le moins intéressant!

Signalons l'excellent travail de Mark Snow sur X-files ...

...dont la musique du générique remixée par DJ Dado.(un obscur DJ et producteur italien de musique Trance.) fut un des emblèmes d'un éphémère mouvement musical au milieu des 90's: la Dream, inventée par Robert Miles pour "calmer" les esprits sur la piste de danse en fin de soirée, afin de revenir en douceur à la réalité et dont la particularité est d'utiliser en premier plan une mélodie de synthétiseur avec un son de piano.

Pour boucler ce modeste tour d'horizon, retournons à Miami avec le jubilatoire Dexter. Expert en analyse de traces de sang dans la police le jour, tueur en série la nuit, Dexter Morgan n'est pas exactement un citoyen américain comme les autres. Il porte, en effet, un lourd secret. Traumatisé dans sa plus tendre enfance puis recueilli par un officier de police de Miami, il se dit incapable de ressentir la moindre émotion. Incapable... si ce n'est lorsqu'il satisfait les pulsions meurtrières que son père adoptif lui a appris à canaliser : de fait, Dexter ne tue que les autres tueurs qui sont parvenus à échapper au système judiciaire, afin de protéger les innocents. Dexter se pose donc comme un véritable justicier de l'ombre, et bien que sa soif de tuer lui pèse, il parvient à mener une existence relativement normale et à sauver les apparences auprès de ses collègues, amis et petite amie...Tout de suite, le générique (composé par Rolfe Kent) qui "rend hommage" à American Psycho... (une œuvre soit-disant majeure relatant la vie quotidienne d'un serial-killer/golden boy à la fin des années 80) par sa vision froide et clinique des choses de la vie et le clin d'œil à la scène d'ouverture du film, jouant avec le thème de la couleur rouge, propre au sang, véritable s'agissant du générique de Dexter, de la simple pulpe de fruit dans American Psycho.

La musique colle véritablement à la série avec une prédominance de musique latino-cubaine qui, en plus de jouer un rôle de localisation géographique, symbolise à la fois l'apparente gaité, la superficialité et le "versant normal" de la réalité que le personnage principal s'efforce d'atteindre! Le coté obscur du personnage quant à lui, est représenté par de petites ritournelles froides, lancinantes et monstrueusement entêtantes...composées pour la plupart par Daniel Licht. Ce dernier s'éloigne de la musique d'accompagnement classique par une utilisation d'instruments comme des guitares électriques, des guitares acoustiques, des basses électriques, un piano, des flûtes ethniques, des instruments à percussion, un xylophone, des instruments traditionnels indonésiens et des gongs. A écouter d'urgence!!!

1. Dexter (Main Title) - Kent, Rolfe
2. Tonight’s the Night
3. Conoci la Paz - More, Beny
4. Uruapan Breaks - Kinky [1]
5. Flores Para Ti - Kullmann, Phil
6. Blood
7. Con Mi Guaguanco - Armando, Ray
8. Perfidia - Dominguez, Alberto
9. Born Free - Barry, John
10. Dexter (Main Title) - Kent, Rolfe
11. Escalation
12. Shipyard
13. Deborah Loves Rudy/The House
14. I Can’t Kill
15. Voodoo Jailtime
16. New Legs
17. Photo Albums
18. Courting the Night
19. Hide Your Tears
20. Wink
21. Astor’s Birthday Party
22. Epilogue/Bloodroom

On va peut être arrêter là...Il existe encore beaucoup de séries qui utilisent des morceaux de musiques existants...Arrêtez de considérer, comme disait Igor Stravinski, la musique comme une sorte de papier peint. Voyez plutôt comme une composante à part entière et là...des merveilles insoupçonnées s'épanouiront entre vos deux orifices auditifs

Obsession

2009-10-25T23:27:00.002+01:00

Ce n'est un secret pour personne...Je voue un véritable culte à la guitare 12 cordes...Réminiscence de clavecins, de cloches, du Swinging London avec les Beatles, du Summer of Love avec les Byrds...Si ma préférence va plutôt vers les électro-acoustiques...Je ne cracherai pas sur la "Vox Mark XII 12 strings tear drop" qui symbolise à la perfection les éléments cités plus hauts...

Un article issu d'un autre temps...

2009-10-25T22:47:00.000+01:00

Il y a 22 ans, j'aurais vendu père et mère ou donner plusieurs années de mon humble existence terrestre pour avoir accès à ce document...Au détour d'une flânerie virtuelle, je tombe dessus!!! Je le place donc dans le sanctuaire que sont les Happy Hunting Grounds....pour ne pas qu'il tombe une fois encore dans l'oubli.

Steve Kilbey parle dans cet article, publié dans un numéro RAM Magazine de 1987, de Earthed, son premier album solo!

Merci à Prehistoricsounds!

"Dans la prochaine guerre mondiale, dans un camion renversé en travers de la route, je renais." (Airbag)

2009-10-03T23:37:00.013+02:00

Bien que je sois un anglophile inconditionnel, je n'ai jamais trop aimé les groupes anglais des 90's...Cette tranche d'espace-temps de la musique de la perfide Albion ne m'a pas vraiment intéressée...sans vraiment savoir pourquoi...trop arty, trop pop...Je ne sais pas...Je dois tout de même confesser qu'à cette période, certaines choses ont bougé à l'extrême périphérie de mon champs de vision et ont attiré mon attention discrète par d'autres univers de nouveau vers le berceau de la musique de bon gout...Citons en vrac, Oasis (pour leur sens de la mélodie et leur coté bad boys), the Verve (pour leurs ballades et le fameux Bittersweet Symphony, paru sur Urban Hymns en 1997, qui est basé, rappelons le, sur un extrait d’une version symphonique du titre The Last Time des Rolling Stones), Massive Attack ( pour avoir enfanter le mouvement trip hop et leurs ambiances techno-occultes), Portishead (pour leur joie de vivre...non je déconne!!! Pour avoir su traduire, à la perfection sur un plan musical, les atmosphères brumeuses et mélancoliques du Somerset).
Cependant, je ne peux pas nier l'existence d'un monolithe de taille dans cette étendue quasi-désertique que constitue le paysage sonore des 90's anglaises...Ce mégalithe se trouve être Radiohead....Je dois avouer que j'ai bien failli passer à coté...tant le groupe et leurs premières compositions n'offraient, à mon humble avis, pas plus de charme qu'une moule en période d'ovulation...Cependant, en juin 1997, les cieux s'entrevirent pour laisser apparaitre "OK COMPUTER", véritable ovni pour l'époque...Un album expérimental, pop et ambient, marqué par une utilisation massive de l'ordinateur lors du processus de création (la piste numéro 7, par exemple, Fitter Happier, est entièrement chantée par une voix artificielle, créée par le logiciel MacinTalk Pro spoken text sur un Power Macintosh d'Apple.) tout en conservant une base rock nerveuse, parfois violente, souvent sombre et toujours mélodique...

Radiohead - OK Computer (1997)

1. "Airbag" – 4:44
2. "Paranoid Android" – 6:23
3. "Subterranean Homesick Alien" – 4:27
4. "Exit Music (For a Film)" – 4:24
5. "Let Down" – 4:59
6. "Karma Police" – 4:22
7. "Fitter Happier" – 1:57
8. "Electioneering" – 3:51
9. "Climbing Up the Walls" – 4:45
10. "No Surprises" – 3:49
11. "Lucky" – 4:20
12. "The Tourist" – 5:25

Mon titre préféré de l'album...

On pense peut être a tort que Thom Yorke est Radiohead....Il est vrai qu'on retrouve tous les ingrédients dans son excellent album solo paru en 2006... De nombreuses critiques de l'époque parlent d'un nouveau disque de Radiohead sans les frères Greenwood...

Thom Yorke : The eraser (2006)
password: musicstoretr.blogspot.com

1. The Eraser
2. Analyse
3. The Clock
4. Black Swan
5. Skip Divided
6. Atoms For Peace
7. And It Rained All Night
8. Harrowdown Hill
9. Cymbal Rush

Cependant, il me semblerait que Jonny Greenwood occupe une place importante voire primordiale dans ce combo oxfordien...Il suffit d'écouter Bodysong, le premier album solo du guitariste multi-instrumentaliste bardé de diplomes de musicologie...Il s'agit de la B.O.F d'un documentaire relatif aux differents stages de la vie humaine. On oscille entre musique classique contemporaine, electro et ambient...Un album de toute beauté que j'ai découvert pour ma part à Amsterdam par une chaude nuit de mai dernier avec en particulier ce titre qui ouvre l'album.

Jonny Greenwood - Bodysong (2003).

1. Moon Trills

2. Moon Mall
3. Trench
4. Iron Swallow
5. Clockwork Tin Soldiers
6. Convergence
7. Nudnik Headache
8. Peartree
9. Splitter
10. Bode Radio/Glass Light/Broken Hearts
11. 24 Hour Charleston
12. Milky Drops From Heaven
13. Tehellet

A noter que son frère Colin est crédité sur l'album en tant que bassiste et programmateur.

Deux ans plus tard, le talentueux guitariste compose une pièce pour orchestre à cordes pour la trés noble et trés respectueuse BBC. La chose est enregistrée à l'église St Paul de New-York.

À noter aussi, pour 2005, son apparition dans le film Harry Potter et la Coupe de Feu dans le rôle sur mesure du chanteur-guitariste du bal de Noël à Poudlard.
En 2007, Jonny Greenwood se charge de la B.O.F de There will be Blood en confirmant son attirance pour le classique. Il s'agit d'une œuvre sombre et hallucinée.Cependant, elle démontre le véritable talent de cet artiste complet qui se cache derrière cet image de guitariste "shoegazer"

Jonny Greenwood - There will be Blood Soundtrack (2007)

Pour les fanas de matos, je conseille la page suivante qui détaille tout le matériel utilisé par Jonny...Un vrai régal!!!

De la musique élégante et de bon gout!

2009-09-25T09:56:00.000+02:00

Steve Kilbey (le chanteur et bassiste de The Church) et Martin Kennedy (la tête pensante du collectif Down-tempo/Ambient/Indie pop australien All India Radio) viennent de sortir Unseen music and unheard words après trois ans de gestation. 12 chansons aux charmes atmosphérisques qui oscillent nonchalamment entre rêves éveillés et plongées en domaine orinique profond bercées par la voix chaude et mystérieuse de Mr Kilbey...&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://stevekilbeymartinkennedypresent.bandcamp.com/album/unseen-music-unheard-words"&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;Maybe Soon by Steve Kilbey &amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp; Martin Kennedy Present&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;
Un unique concert fut donné le 10 septembre dernier à "the toff" à Melbourne avec la participation exceptionelle de Graham Lee à la pedal steel...Tout de suite, un bref aperçu des coulisses de cet événement...

Et, comme un bonheur ne vient jamais seul, maintenant la setlist officielle du concert agrémentée des accords des morceaux (http://weatheredandtorn.blogspot.com).
Cliquez dessus pour un affichage confortable!

tout est lié!

2009-09-24T08:31:00.000+02:00

Laissez moi vous parler de la Mâyâ. Dans la philosophie védique de l'hindouisme, la Mâyâ est l'illusion d'un monde physique que notre conscience considère comme la réalité. De nombreuses philosophies ou recherches spirituelles cherchent à « percer le voile » afin d'apercevoir la vérité transcendante, d'où s'écoule l'illusion d'une réalité physique. Autrement dit, toutes les choses sont liées entre elles mais malheureusement, cet état de fait ne nous est pas accessible...
Votre humble serviteur a cependant pu soulever un pan de cette membrane qui occulte la vraie nature des choses...La preuve en image:

Pour info, j'ai vécu pendant toute mon adolescence (bercée par la voix chaude de Steve Kilbey) à deux pas de la maison de Ste Thérèse de Lisieux...Et pour ceux qui ne l'auraient pas remarqué, l'accro aux pétales de roses apparait à de nombreuses reprises à l'arrière plan!

La verité est ailleurs!!!

Voyage onirique

2009-06-15T20:03:00.000+02:00

Aller voir the Church dans un petit club sur les hauteurs de Haight-Ashbury à San Francisco...Soupirs...Chemise paisley, guitare 12 cordes, soleil éblouissant, une fille aux cheveux longs, au regard lointain, une sourire étrange sur les lèvres...Couleurs chaudes et fauves, mais un peu délavées comme dans "les rues de San Fransisco", "Mannix" ou "Bullit"... Ceci reste du domaine du voyage dans un univers parallèle.
Cependant, une radio locale (KCRW 89.9 FM) nous donne la possibilité de se tenir sur le pas de la porte des rêves avec l'enregistrement vidéo d'une émission où nos preux australiens nous livrent quelques joyaux fleurant bon le "dreamy psychedelia" et la soupe à la Dave Gilmour...

Une église sur la terre promise...

2009-06-15T09:32:00.000+02:00

Depuis quelques jours, The Church est sur le continent nord américain...Soupirs...puisqu'aux dernières nouvelles, il n'y aurait pas de tournée européenne...En guise de consolation, voici un reportage pour une webTV tourné a l'occasion de leur concert au Roxy de Los Angeles, le 11 juin dernier.

If only...

2009-03-22T21:18:00.000+01:00

Le 15 mars dernier, The Church ( le groupe culte de votre humble serviteur) donnait le concert de clôture de la tournée australienne relative à la sortie de leur nouvel album "Untitled#23" au Factory Theatre à Sydney...

Et maintenant, de vraies images en couleurs et qui bougent!!!

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Ecoutons la télévision!!!

2009-03-05T17:33:00.000+01:00

L'histoire de Television se résume à ce seul album. Ou presque, puisque c'est après le départ de Richard Hell (le fameux inventeur du t-shirt "I Hate Pink Floyd", dont Johnny Rotten finira par piquer l'idée) pour les Heartbreakers que le groupe new yorkais sortit : Marquee Moon. Un album, comment dire?.. Presque plus facile de parler d'un album moyen ou mauvais que d'une œuvre aussi riche et musicalement parfaite.Idéal de mesure, tout semble pesé, ajusté pas un gramme de trop dans un album à tendance minimaliste. Punk. Mais pas "punk" comme l'entendront les "puristes du genre" qui se cachent aujourd'hui derrière des masques teints et acnéiques de fans de Blink 182... Certes, pas aussi punk que les Ramones, sorti la même année, un modèle de rock primate et écervelé. Mais bon, ne nous perdons pas dans les méandres d'une guerre de chapelles qui durera encore sûrement de longues années: est-ce du Punk? New Wave? Post Punk? Ou alternatif, expression fourre-tout favorite des rock-critics en herbe?

Nous conviendrons donc que ce groupe est inclassable, puisqu'il s'inscrit en droite ligne du Velvet Underground, groupe lui aussi allergique aux étiquettes. C'est justement le retour du féroce duel de guitares (concept inventé sur "Sister Ray" du même Velvet): à ma gauche, Richard Lloyd, guitariste rythmique au son acide et légèrement gras; à ma droite, Tom Verlaine, soliste, occasionnellement chanteur et poète, son de guitare cristallin. Les deux duellistes se livrent donc des batailles sans merci dans, de plus, des compositions défiant toute comparaison.

Sur "See No Evil", Verlaine enfourche le ton du hooligan new-yorkais; Lloyd le reprend avec une intro hachée et obsessionnelle. Dans "Venus", l'ambiance est plus onirique: "Je suis tombé dans les bras de la Venus de Milo"... L'intro de "Friction", elle ressemble à un train en marche, vite rattrapé par la guitare solo. Il s'agit d'un des morceaux les plus sexy qu'il m'ait été donné. d'entendre jusqu'à ce jour! "Marquee Moon" atteint des sommets; avec ses 10 minutes (pas une de trop, malgré tout ce que le punk de base pourra en penser), bouillon de duels inégalables, et de moments uniques de solitude accentués par Richard Lloyd qui continue seul à jouer ses rythmes. Rêveur, ce titre reste le plus représentatif de l'album.
La section rythmique n'est pas en reste: écoutez la superbe basse d'"Elevation", titre dont les premières secondes rappellent un mystérieux lever matinal, et l'éclosion béate d'un bouton de fleur. Il est suivi de "Guiding Light" où le groupe redevient rêveur, une lumière dans la nuit. "Prove It", à la manière de la première plage, s'ouvre sur un riff efficace, mais ici sympathique, et limite pop. Pour conclure, dans "Torn Curtain", Verlaine atteint ostensiblement... Le Nirvana, tout simplement. Il apparait sublimé par un jeu de guitare magnifique, touche les cieux sur un fond de rythmique lente. Television sort donc un véritable ovni. C'est réellement ce qu'en pensa le co-producteur (avec Verlaine), que Richard Lloyd entendit dire un beau jour: "Je ne peux pas signer le groupe. Ce n'est pas de la musique terrestre!" Il n'avait pas tort, au fond.

Tom Verlaine — Chant, guitare, claviers
Richard Lloyd — Guitare, voix
Fred Smith — Basse, voix
Billy Ficca — Batterie

Marquee Moon (1977)
1 See No Evil
2 Venus
3 Friction
4Marquee Moon
5 Elevation
6 Guiding Light
7 Prove It
8 Torn Curtain
Bonus (sur la reedition de 2003)
9 Little johnny jewel [parts 1 & 2]
10. See no evil [alternate version]
11. Friction [alternate version]
12. Marquee moon [alternate version]
13. Untitled instrumental

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Aux frontières du réel...

2009-02-24T19:22:00.000+01:00

Lors de mes recherches sur la musique psychédélique, le nombre de références au monde du surnaturel, de l'étrange et de l'occultisme m'ont littéralement sidéré. Si bon nombre de ces éléments relèvent de légendes urbaines, de l'absorption de produits "ouvrant les portes de la conscience" et de manœuvres d'organisations chrétiennes des années 60 pour protéger la jeunesse innocente des démons du Rock'n'Roll , il n'en reste pas moins un certain nombre d'éléments troublants qui ont titillé ma curiosité naturelle et que je propose de vous présenter à travers de ce billet PUREMENT informatif au parfum déroutant et envoutant.

Un nom revient toujours: Aleister Crowley...Bien qu'inconnu du grand public, son influence sur une partie de la contre-culture fut considérable, que ce soit par l’intermédiaire du cinéaste d’avant-garde Kenneth Anger, du vulgarisateur du LSD Timothy Leary, ou par celle de musiciens comme David Bowie, Andy Summers et Sting du groupe Police, ou de Mick Jagger des Rolling Stones, voire des Beatles, qui se présentent, ou se sont présentés comme étant de ses disciples.

Qui est cet homme que la presse britannique qualifia en son temps «d' homme le plus ignoble que les Royaumes Unis aient connu »?
Edward Alexander (dit Aleister) CROWLEY (1875-1947, Grande Bretagne) est connu pour ses écrits ésotériques, mystiques et tout particulièrement par son Livre de la Loi, le livre sacré de Thélème (inspiré de Gargantua de Rabelais). Il était également un membre influent de plusieurs organisations occultes et secrètes: l'Ordre hermétique de l'aube dorée (The Golden Dawn), l'A.A. et de l'Ordo Templi Orientis, organisations encore actives à ce jour. Il est considéré comme le père spirituel de l’Eglise de Satan et bien d’autres mouvements de sorcellerie. Ce Gourou se fait appeler « le Grand 666 » ou « la Bête » faisant allusion aux écrits de l’Apocalypse de Jean:

Apocalypse 13:18 (...) C'est ici la sagesse. Que celui qui a de l’intelligence calcule le nombre du nom de la bête, car c'est un nombre d'homme, et ce nombre est six cent soixante six.

Il grandit dans une famille richissime, extrêmement stricte et religieuse. Cette vie stricte dans la religion, sera la base de multiples frustrations, de sa haine pour le christianisme et de son comportement anarchiste et libéral à l'extrême. Son « œuvre » et sa « philosophie » perdurent encore aujourd’hui par une multitude d’adeptes d’occultisme obscure, de magie noire, des forces du mal, de spiritisme ou de satanisme… Il reste une source d'inspiration pour une multitude d'artistes et de personnalités de tous milieux sociaux. Sa philosophie « Fais ce que tu veux » a été le crédo des années 60 et 70 révolutionnaires propagé dans la musique rock.

Certains affirment que l'album «Sergent Pepper» fut enregistré afin de commémorer l'anniversaire d'Aleister Crowley. Raison numéro 1 : l'album date de 1967 et Crowley est mort en décembre 1947. Raison numéro 2 : on peut apercevoir le visage de Crowley sur la pochette.

Les Beatles furent les premiers à afficher le visage du mage, Aleister Crowley, sur un album rock. Ce dernier deviendra la figure emblématique de la folie qui caractérisera les années 70.La foule, sur l'album Sergent Pepper, représente les nombreuses personnalités qui eurent de l'influence sur le groupe. Nous retrouvons Crowley en arrière plan.

En 1962, John Lennon aurait dit:
" Je sais que les Beatles connaîtront le succès comme aucun groupe ne l’a encore connu. Je le sais très bien, car pour ce succès, j’ai vendu mon âme au diable."(Coleman, Ray, Lennon p.256)
Le 4 mars 1966:

" Le christianisme est appelé à disparaître, il va diminuer jusqu'à s'évanouir. Je ne tiens pas à en discuter. J'ai raison et l'avenir le prouvera. Nous sommes plus populaires que Jésus-Christ à présent. J'ignore qui des deux disparaîtra le premier, le Rock'N'Roll ou le Christianisme ".(San Francisco Chronicle, 13 Avril 1966, p.26)

Une chose est sure, c'est John qui est parti le premier! Mais, un certain nombre d'éléments troublants (et vérifiables!) entoure sa disparition. Le chanteur avait été assassiné au pied de son immeuble à New York, le " Dakota House ", au coin de la 72e rue, à l'Ouest de Central Park, et que son appartement était celui qui avait autrefois appartenu à Anton La Vey, disciple de Crowley et fondateur de l’église de Satan aux Etats-Unis. En effet, désireux de migrer vers San Francisco, Anton La Vey l’ayant mis en vente, l’avait d’abord loué à Roman Polanski pour le tournage de son film " Rosemary’s baby " (relatant la naissance du fils de Satan) dont il avait été le script et le conseiller technique !) Yoko Ono, par la suite en était devenue la propriétaire, en 1973, avec 5 autres appartements et dépendances dans le même immeuble sinistre.
Dans le plus fort de la Beatlemania, John Lennon sera considéré comme un véritable messie et le «White Album» sera sujet à de nombreuses interprétations de la part de cinglés et de xénophobes, dont le tristement célébre Charles Manson. Dans le cadre d'une Apocalypse réécrite par ce dernier, nos «Fab Four» furent considérés comme les quatre cavaliers qui devaient annoncer le fléau. Il ne faut pas oublier que Manson était un gourou à mi-chemin entre le fondamentalisme chrétien, l'Eugénisme et le Satanisme. Une vilaine combinaison. Manson se croyait à l'aube de l'Apocalypse, qu'il décrivait comme une guerre raciale à l'échelle planétaire. Sa mission consistait à déclencher le conflit en commettant divers meurtres et en tentant d'incriminer les Black Panthers, un mouvement révolutionnaire Afro-américain.

Pour en revenir au Beatles, le gourou meurtrier croyait que leur chanson «Helter Skelter», qui se traduit par "Pêle-mêle", appelait à la guerre entre les blancs et les noirs. Toujours avec le même esprit de malade mental, Charles Manson croyait que la chanson «Piggies» faisait référence au mot «Pig», qui était la marque distinctive des «Black Panthers». Lorsque le clan Manson tuèrent Sharon Tate, enceinte de huit mois, ils inscrivirent le mot «Pig» sur les murs afin d'incriminer les Black Panthers. Rappelons juste que Sharon Tate était l'épouse de Roman Polanski et que celle-çi a joué en 1966 dans un film nommé L'oeil du malin!

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Enfin, pour conclure sur le chapitre concernant les quatre garçons dans le vent, trois éléments peu connus (mais vérifiables!!!) :

Le deuxième meurtre de Manson fut le couple LaBianca. L'épouse se prénommait Rosemary.
David Chapman, l'assassin de John Lennon, avait échangé de la correspondance avec Charles Manson. Chapman faisait partie d'une communauté, «Born again Christians», qui croyait également à la venue imminente de l'Apocalypse.
Une dernière coïncidence, la première victime du clan Manson, au 10050 Cielo Drive, se nommait Winifred Chapman.

Les mauvais garçons du rock, à savoir les Rolling Stones, ne sont pas en reste...Ils seront le premier groupe à introduire explicitement le personnage de Satan avec leur album Their Satanic Majesties Request (1967) et avec la chanson "sympathy with the devil" sur l'album "beggar banquet"(1968).

Tiens, on y voit John Lennon...

Un autre exemple sympa de leur allégeance au démon avec la pochette de l'album « GOATS HEAD SOUP » (littéralement « La soupe de tête de bouc ») sorti en 1973, allusion claire à Baphomet, symbolisé par la tête de bouc, dieu du satanisme et symbole de l'Eglise de Satan :

Détail de l'angle supérieur droit :

Arrêtons-nous encore un instant sur un autre disque des Rolling Stones sorti quelques mois après "Sergeant Pepper". Le titre est assez évocateur : « Their Satanic Majesty Request ». Titre, contenu et pochette pour autant assez troublants :

Même genre d’uniformes psychédéliques où, ici encore, les traces d'occulte sont omniprésentes. Mick Jagger porte un chapeau pointu de magicien dans un décor sortit tout droit des plus belles traditions hindoues. Ici encore les allusions aux religions orientales sont omniprésentes. Mais la surprise ne s’arrête pas là : aux extrémités gauche et droite de la pochette, nous retrouvons les portraits de Georges Harrison et John Lennon. Devons-nous ici admettre un signe de vénération mutuelle ? La tête de Georges Harrison est couverte de champignons hallucinogènes dont ils faisaient tous usage.

Les allusions mutuelles entre les deux pochettes sont poustouflantes. Alors que les Stones font référence aux Beatles considérés ennemis, les Beatles font cette même référence quelques mois plus tôt. Voyez donc :

Dans le côté droit de Sergeant Pepper, il y a une poupée sur laquelle nous pouvons lire cette inscription : « Welcome the Rolling Stones » (« Bienvenue aux Rolling Stones »). Bienvenus à quoi ? Faisaient-ils allusion à cette fameuse armée chaotique et anarchique qui allait changer le visage social de façon irréversible ?

Tout juste vingt ans avant la sortie de ces deux disques, ici encore sans aucune coïncidence, Crowley s'éteignit mais sa parole perdura. Il avait prédit que par la musique ses enseignements seraient encore mieux perçus par la jeunesse. Il affirma diriger une armée de jeunes dans une révolution d'un âge nouveau. Troublant fait du hasard, les Beatles créent Sergeant Pepper. Ils font alors tous partie d'un club mystique où tous les initiés sont membres d'un même club...

Mais revenons à Crowley. Ce dernier eut un jeune adepte de 15 ans qui se nommait Kenneth Anger. Ce dernier devint plus tard un "célèbre" cinéaste expérimental à l'univers empreint d'une iconographie gay et mystique. Il réalisa entre autre «Lucifer Rising», en hommage à son ancien gourou.

Lors de la production de ce film, Anger rechercha un acteur afin de personnifier Lucifer. Il offrit le rôle à Mick Jagger, par l'entremise de Marianne Faithfull, une célèbre groupie et ancienne adepte d'Aleister Crowley, mais Jagger refusa le rôle. Il signera le titre "invocation of my Demon brother ", intégrée dans la bande son du film. de la première version du film (1969) d'une durée de 11 minutes. Kenneth Anger se tourna alors vers son amant, Bobby Beausoleil, un jeune guitariste, qui accepta le rôle sans véritablement s'y intéressé. En effet, ce dernier signa la musique du second court métrage et quitta subitement le plateau lors du tournage pour se rendre à Death Valley en Californie. Il désirait y rejoindre son second amant, Charles Manson. Bobby Beausoleil, on le sait, participa aux meurtres de Tate et LaBianca. Kenneth Angers eut encore à se dénicher un nouveau Lucifer. Il offrit finalement le rôle à Anton Szandor LaVey (vous vous rappellez, le fondateur de l’Église de Satan) que Marianne Faithfull aurait bien connu aussi . Il accepta le rôle de Lucifer avec enthousiasme, mais comme la production du film traîna en longueur, il se désista. Au bout du compte, dans la dernière version de «Lucifer Rinsing» (28 minutes), produit entre 1970 et 1980, on aura une courte apparition de Anton LaVey et c'est Kenneth Anger lui même qui personnifiera Lucifer. Quand on regarde le casting de ce chef d'œuvre du 7ème art, on apercoit le nom de Jimmy Page, le célèbre guitariste de Led Zeppelin qui, en plus d'avoir eu le priviliège d'avoir un petit rôle, a composé la bande originale.

L'intérêt pour l'occulte de Page semble, par contre, pour une fois, ne faire aucun doute...

"Depuis très longtemps j'étudie la magie. C'est une chose passionnante, très enrichissante". (décembre 1970)
Jimmy Page a été propriétaire, pendant une vingtaine d'années, du manoir Boleskine House, sur les rives du Loch Ness, l'ancienne propriété d'Aleister Crowley. Cette batisse, fut construite sur les gisements d'une ancienne église, dont l'incendie et la destruction emporta avec elle tous ses membres... "Toutes mes maisons sont isolées. Je passe beaucoup de temps seul chez moi, comme je passe beaucoup de temps seul près de l'eau. La maison de Crowley est sur le Loch Ness, en Ecosse. Elle eue deux ou trois propriétaires avant qu'Aleister Crowley n'en devienne le propriétaire. Avant il y avait une église dont les membres furent brulés à l'intérieur. C'est le lieu de la batisse. Plein de choses étranges sont arrivées là qui n'avait rien à voir avec Crowley. Les mauvaises vibrations étaient déjà là" (Jimmy Page,1970) .
Est-ce pour cela que Page raconte que certains soirs on peut entendre rouler dans les couloirs la tête d'un homme décapité des siècles auparavant ? Alors que Crowley habitait encore la maison, son concierge devint fou et tenta de trucider toute sa famille, quand Jimmy Page fit redécorer toute la batisse par un éminent sataniste, le gardien tenta de se suicider. Le suivant perdit la raison...Miss Pamela, l'une des célèbres groupies de Jimmy Page raconte à qui veut l'entendre que les messes noires, les séances rituelles furent monnaie courante à Boleskine House sous la houlette de Jimmy Page. Il a aussi fait l'acquisition de nombreux accessoires ayant appartenus au mage, dont une toge et une fameuse canne que Crowley trimbalait partout. D'ailleurs, ces objets apparaissent sur la pochette interieure du quatrième album.
De plus, la présence de symboles cabalistiques sur les différents albums ne fait que renforcer l'image occulte du groupe. En réalité il semblerait que les symboles, présentés ci-dessus, sont associés aux divers membres du groupe. En ordre d'apparition, de gauche à droite : Jimmy Page, John Paul Jones, John Bonham et Robert Plant. Nous en avons la confirmation avec le disque solo de John Paul Jones, qui contient effectivement le second symbole.

D'après le mouvement «Christians agains Rock», le sigle «zoso» signifierait en langage magique (en Énochien, plus précisément) le mot «fornication», l'Énochien étant un langage inventé par l'occultiste élisabéthain John Dee. D'autres spécialistes y voient la marque du malin...La preuve, tout de suite, avec des images en couleurs, si je peux dire!

• Le "S" central est celui de Satan.
• Les deux "O" liés par un trait représente les hommes en captivité sous Satan. (Par définition Biblique, tout homme qui ne reconnaît pas son état de pécheur, son besoin d'être racheté et sauvé gratuitement et personnellement par le sacrifice de Jésus-Christ sur la croix se trouve sous l'emprise du Malin, le Prince de ce monde et de ce siècle comme le définissent les Ecritures. Le pacte avec Satan n'est qu'une étape supplémentaire, volontaire d'engagement d'un homme dans la rébellion contre Dieu et Son oint, Jésus-Christ).
• Le "Z" correspond au symbole de l'envoûtement ou le charme opéré par la musique. Il se termine par la potence du pendu sur laquelle est placée une enclume qui représente le "béat" infernal. Certains véhicules équipés de véritables "chaînes" HI-FI (Haute Fidélité mais à qui?) font entendre ce béat infra sonore avec la musique tesson diffusée à coups de décibels au-delà de... l'entendement du passant et du seuil admissible par l'oreille humaine sans dégradation de l'organe interne. (Trois osselets, le marteau, l'enclume et l'étrier font parvenir les sons au tympan, une membrane qui les capte en vibrant.).
• Le second logo sur l'étiquette du vinyle est un trèfle de la trinité Satanique inséré dans un cercle d'envoûtement.
• Le troisième logo constitué de 3 cercles est une trinité ésotérique: La terre, l'air et le feu.
• Le quatrième logo représente une plume enfermée dans un cercle. Il s'agit bien évidemment d'un pacte signé avec le Malin. Le signataire est volontaire, signe le pacte avec son sang et se trouve "protégé" à l'intérieur d'un cercle. Il faut savoir que la maison de l'Adversaire est divisée et que les sorciers mènent une lutte "fratricide" entre eux pour acquérir d'avantage de pouvoir, dominer et s'élever dans la hiérarchie infernale. Tout fonctionne à l'inverse des valeurs chrétiennes de solidarité, d'amour fraternel, d'humilité devant Le Seigneur...

David Bowie, lui, « s'amusait » à se représenter comme "le grand 666" et imitait les poses de son maître de l'époque : Aleister Crowley. Dans Rolling Stone magazine du 12/02/1976, le compagnon de coucherie de Mick Jagger a choqué le monde de la musique en affirmant :

« Le Rock a toujours été la musique du Diable… Je crois que le rock’n roll est dangereux… je sens que nous ne faisons que proclamer QUELQUE CHOSE DE PLUS TÉNÉBREUX QUE NOUS MÊME ».

Lors de concerts, Bowie prend la position initiatique
« THE ENTERER » de la Golden Dawn, dans sa chanson « TVC 15 ».
A gauche : Aleister Crowley, à droite : David Bowie.

Dans sa chanson « Quicksand », dans l'album Hunky Dory (1971) enregistré dans les studios Trident (ça ne s'invente pas!!!), il interprète la confession suivante : «I'm closer to the Golden Dawn. Immersed in Crowley's uniform of imagery.» (Je suis proche du Golden Dawn. Immergé dans l'imagerie de Crowley).

Nous pouvons également lire dans la biographie de Angie Bowie ( la même que dans la chanson de Mick Jagger!) que son mari a déclaré dans une entrevue datant de 1976 : «My overriding interest was in cabbala and Crowleyism.That whole dark and rather fearsome never-world of the wrong side of the brain.» (Mon intérêt était dans la Kabbale et la philosophie de Crowley. C'est plutôt effrayant de sombrer dans le néant, le mauvais côté du cerveau.)

Plus récemment, membre du groupe archi populaire The Police, Sting n’a jamais caché avoir une fascination pour Aleister Crowley (à l'émission «The New Musik» et dans le magazine «Creem» de Juillet/Août 1982, p.32). Aussi certaines de ses chansons sont directement inspirées des enseignements du mage noir. La magie, le monde spirituel et les notions d’occultisme sont la base de certaines de ses chansons comme dans : «Walking on the Moon» et également dans «Every Little Thing She Does Is Magic» de l'album «Ghost in the Machine». La pochette de cet album comporte, soit dit en passant, un «666»; si, si retournez la!)

Le nouveau monde n'est pas en manque....D'après la légende, le leader du groupe The Doors, Jim Morrison, était un adepte de magie noire. Dans le film réalisé par Oliver Stone, on le présente en compagnie d'une sorcière de la Wicca en train de déguster un bon verre de sang. Un passe-temps plutôt étrange pour une adepte de la Wicca, qui privilégie normalement les balades en forêt, les tisanes de valériane et les danses en forêt. Dans les faits, Morrison était plutôt un adepte de la philosophie de Carlos Castaneda, le célèbre ethnologue qui étudia la philosophie des amérindiens Yaqui. Rien à voir avec la dégustation d'hémoglobine, Castaneda réalisa une thèse à propos des plantes hallucinogènes du Mexique et à propos de l'esprit de la petite fumée... Toutefois, on aperçoit quant même Jim Morrison sur l'album «13» avec un buste en bronze d'Aleister Crowley entre les mains.

Et maintenant, le cas HOTEL CALIFORNIA des Eagles!
Indispensable préambule, la remise en mémoire de lyrics délectables :

On a dark desert highway, cool wind in my hair / Warm smell of colitas rising up through the air
Up ahead in the distance, I saw a shimmering light / My head grew heavy, and my sight grew dimmer
I had to stop for the night / There she stood in the doorway;
I heard the mission bell / And I was thinking to myself,
'This could be Heaven or this could be Hell' / Then she lit up a candle and she showed me the way
There were voices down the corridor, I thought I heard them say...

Welcome to the Hotel California / Such a lovely place (such a lovely place)
Plenty of room at the Hotel California / Any time of year, you can find it here

Her mind is Tiffany-twisted, She got the Mercedes Bends / She's got a lot of pretty, pretty boys, that she calls friends
How they dance in the courtyard, sweet summer sweat / Some dance to remember, some dance to forget
So I called up the Captain, 'Please bring me my wine' / He said, 'We haven't had that spirit here since 1969'
And still those voices are calling from far away / Wake you up in the middle of the night
Just to hear them say...

Welcome to the Hotel California / Such a lovely place (such a lovely face)
They livin' it up at the Hotel California / What a nice surprise, bring your alibis

Mirrors on the ceiling, the pink champagne on ice / And she said 'We are all just prisoners here, of our own device'
And in the master's chambers, they gathered for the feast / They stab it with their steely knives, but they just can't kill the beast
Last thing I remember, I was running for the door / I had to find the passage back to the place I was before
'Relax' said the nightman, We are programed to receive
You can check out any time you like, but you can never leave.

Etranges paroles...
On entend d'ici les premières questions : et cet Hotel California d'ailleurs, il existe ? On peut y dormir ? Là, comme sur le reste du titre, les interprétations délirantes affluent, on s'en doute... Sur la foi de sa célèbre conclusion (« You can check out anytime you like / But you can never leave »), on a pu y identifier un fameux asile californien – le Camarillo State Hospital qui, en lisière de Los Angeles, accueillit de gentils désaxés de la fin des années trente jusqu'en 1997 – et quelques prisons (« What a nice surprise, bring your alibis »), comme la Cook County Jail à Chicago sur California Street dont le surnom, réputé, est effectivement « Hotel California » mais bien postérieur au phénoménal succès du hit, et pour tout dire inspiré par lui... Furent aussi suggérées des allusions voilées à un obscur hôtel particulier du pape lysergique Tim Leary, à la Playboy Mansion, lupanar de luxe de Hugh Hefner et même, touchante rigueur méthodologique, à un véritable « Hotel California » sis dans la péninsule mexicaine de Baja California, à Todos Santos précisément mais dont aucun des Eagles ne connaissait l'existence jusqu'à un fax rectificatif de Don Henley (c'est le batteur et le chanteur des Eagles). Depuis, on peut supposer que les noms ont fleuri worldwide, la trace en étant retrouvée jusqu'à nos ruelles germanopratines...
Il existe une lecture sataniste (« This could be Heaven or this could be Hell ») de ce magnus opus, portée par de fiévreuses cristallisations adolescentes nocturnes. Une rumeur persistante voudrait ainsi que le titre fasse implicitement référence à une église laissée à l'abandon en 1969 puis réinvestie par une société occulte à fortes tendances satanistes... Certains sont allés plus loin dans le décodage fumeux en y décelant un hommage à peine déguisé à la demeure d'Anton LeVey, High Priest de la Church of Satan où fut rédigée, plutôt tardivement pour un culte pluri-millénaire, la Bible satanique... D'autres, vraisemblablement peu séduits par l'idée d'un diable californien, se sont reportés sur une valeur sûre, anglo-saxonne, le Maître Aleister Crowley lui-même, troublante citation à l'appui (« And in the master's chambers, they gathered for the feast / They stab it with their steely knives but they just can't kill the Beast »)... Incidemment on y a vu aussi un repaires de cannibales mais les preuves, mêmes enténébrées, manquent...
Qu'il s'agisse en fait du fameux Beverly Hotel , repaire de stars hollywoodiennes à la délicieuse architecture hispanisante également connu sous le nom de « Pink Palace », n'a pas empêché de zélés gloseurs de traquer plus avant les signes d'un message diabolique jusque dans les pochettes – recto, verso et intérieure – de l’album... Prise par les photographes David Alexander et John Kosh, la célèbre photo frontale de l'hôtel sur fond de soleil couchant avait d'ailleurs nécessité la location d'un camion destiné à la cueillette des cerises qui éleva les valeureux photographes à plus de 60 pieds au-dessus des arbres de Sunset Boulevard...
Négligeant cette performance, certains se sont obstinément attachés à la photo elle-même – à vos LP's les gars – avançant que la silhouette de Satan soi-même, décidément d'humeur californienne, s'encadrait dans une des fenêtres de l'hôtel... A bien y regarder, n'était-ce pas Anton LeVey d'ailleurs ? Et puis, sur cette pochette intérieure, cette autre terrifiante silhouette au balcon, bras ouverts comme pour embrasser d'innocentes personnes rassemblées dans la cour (« And in the master's chambers, they gathered for the feast »), subjuguées par le Malin et comme déjà promises à ses rêts...

ABOVE LEFT: Enlarged picture taken from the back cover of the Eagle's 'Hotel California' album cover (pictured below). Photo shows Anton LaVey, founder of the 'Church of Satan,' looking down from a balcony in the Hotel California. ABOVE RIGHT: Anton LaVey

Source: www.jesus-is-savior.com (un site de chrétiens fondamentalistes!)

Bien entendu, bien d'autres artistes ont fait référence à Aleister Crowley et autres Anton LaVey. En voici un exemple issu du mainstream musical: l'album « Dangerous » de Michael Jackson paraît aussi ésotérique que psychédélique alors qu'Aleister Crowley est à nouveau représenté en bas à droite de la pochette en costume et noeud de papillon.

Premier détail juteux : l’artiste qui a produit cette pochette est Mark Ryden populaire pour ses œuvres mystiques, occultes, macabres et sombres. Il est l’un des artistes référencé dans le site officiel du la Church of Satan, dans le chapitre des artistes satanistes membres de l’organisation. (Source : http://www.churchofsatan.com/Pages/SIGARTLST.html)

Second détail juteux : la pochette du disque « Hot Minute » des Red Hot Chili Peppers est aussi de la main de Mark Ryden. Rappelons, juste pour mémoire, que ce groupe fit d'étranges remerciements lors de la cérémonie des MTV Awards de 1992 comme le montre la vidéo suivante:

Troisième détail juteux : Mickael Jackson possède (ou possédait) les droits de 251 chansons des Beatles!!!!

Dans un de ses livres, « Magick » (avec « CK » pour faire allusion aux mots BLACK MAGIC), Aleister Crowley enseigne comme principe de magie, de tout inverser, par exemple réciter à l'envers les prières des chrétiens. Il allait développer une nouvelle philosophie inversée, contraire au mouvement de la société et surtout du Christianisme qu'il détestait profondément. Un adepte se « doit de s'entrainer à penser à l'envers. Lisons un extrait de rituel initiatique qui est la base de cette pratique (Source : Magick, Appendice VII, Liber brasit).

« Que l’Adepte Exempt (il s’agit d’un grade) s’entraîne tout d’abord à penser à l’envers par des voies extérieures, telles celles qui suivent :
a) Qu’il apprenne à écrire à rebours, de chaque main.
b) Qu’il apprenne à marcher à reculons.
c) Que constamment, à chaque occasion se pouvant présenter, il visionne des films et écoute des disques à l’envers et qu’il s’y accoutume jusqu’à ce qu’ils lui apparaissent normaux et appréciables dans leur totalité.
d) Qu’il s’entraîne à parler à l’envers : ainsi pour ‘je suis lui’, qu’il dise ‘iul sius ej’.
e) Qu’il apprenne à lire à l’envers. En ceci, il n’est pas difficile de ne pas s’abuser, un lecteur confirmé identifiant une phrase au premier coup d’œil. Que son disciple lise à haute voix devant lui, à l’envers, doucement au début, puis plus vite. En cela son cerveau sera tout d’abord submergé par une impression de totale confusion ; il s’efforcera ensuite d’échapper à la difficulté par la ruse. Le cerveau prétendra travailler à l’envers alors qu’il agira en toute normalité. (…) elle deviendra parfaitement évidente à quiconque pratiquera les exercices a) et b) durant un jour ou deux. »

Marcher à l'envers, faire des gestes à l'envers, le haut devint le bas, la douleur le plaisir, l'obscurité est lumière, l'esclavage est liberté... la folie devient signe de santé mentale... Il avait une salle à miroirs, pour voir sa propre image à l'envers... Ce qui est beau et lumineux est systématiquement rendu à son inverse pour devenir laid et sombre. Les incantations et vociférations se faisaient en langage inversé. Ecouter des disques à l'envers faisait partie de ses rituels classiques. Les emblèmes chrétiens étaient eux aussi inversés… pour signifier leur contraire. Ainsi, un symbole représentant l'amour et la beauté sera automatiquement inversé comme dans un miroir pour finalement prendre une nouvelle signification : la haine et la laideur...

Saviez-vous que le symbole de "Peace & love" pourrait venir d'un symbole occulte connu depuis l'Antiquité, à savoir la "croix de Néron" (connu aussi sous le nom de la "croix de Satan") commémorant le massacre de chrétiens transformés en torches vivantes sur l'ordre du Dictateur romain. Ce signe symbolise une croix renversée — les bras de la croix tombant comme signe de défaite — à l'intérieur d'un cercle d'invocation ou de protection démoniaque. Ce signe "de paix" donc signifierait, pour certains, que le Christianisme est vaincu. Présente aux USA avec le mouvement hippie des années 60, cette croix prétendue du Malin a été rendue populaire au début des années 80 par les Soviétiques en Europe, qui furent les bailleurs de fonds finançant la montée au pouvoir des premiers "verts" en Allemagne dans leur lutte contre l'installation de missiles Pershing Américains dans le cadre d'un pacte de l'OTAN pour contrer l'installation des SS20 Russes aux frontières de la CEE.

Revenons à Crowley qui, dans ses expérimentations diverses, avait, par hasard, découvert qu’en écoutant des enregistrements de prières ou des incantations à l’envers, on pouvait entendre d'autres sons. D'autres mots et phrases étaient alors audibles. Cela allait devenir une nouvelle pratique clé de son culte obscur, de ses rites et de ses messes noires, enseignée dans son livre « Magick » et allait faire partie intégrante de son culte, et plus tard mise en pratique par ses adeptes et notamment dans le rock...

Plus bas, vous pourrez entendre quelques exemples parmi tant d'autres, des tubes comportant des messages subliminaux ou messages inversés. Dans la plupart des exemples ci dessous, la technique de verlan, ou messages inversés cachés (BACKWARD MASKING en anglais) inspirés par les incantations de sorcellerie est mise en pratique. Cette méthode fut utilisée, entre autre, pour des incantations et rituels sataniques encore pratiqués aujourd'hui dans diverses organisations sataniques et de sorcellerie et dans beaucoup d’autres sous groupes qui y sont associés. Certains exemples sont aussi le fruit du hasard, mais, selon la théorie de John Oates correspondent bien aux paroles à l'endroit ou à l'état d'esprit de l'interprète. Selon lui, lorsque nous parlons, nous générons de manière inconsciente des sons qui, écoutés à l'envers, forment d'autres mots et seraient en quelque sorte « la voix de notre inconscient ».

A vos oreilles !

EXEMPLE No 1 : THE BEATLES - REVOLUTION #9

Vous entendrez le premier extrait à l'endroit, tel que vous l'entendez sur le disque.
L'extrait suivant, est le même passage, mais passé à l'envers...

EXEMPLE No 2 : THE BEATLES - OBLADI OBLADA

Vous entendrez le premier extrait à l'endroit, tel que vous l'entendez sur le disque.
L'extrait suivant, est le même passage, mais passé à l'envers...

EXEMPLE No 3 : THE ROLLING STONES - TOPS

Vous entendrez le premier extrait à l'endroit, tel que vous l'entendez sur le disque.
L'extrait suivant, est le même passage, mais passé à l'envers...

EXEMPLE No 4 : LED ZEPPELIN - STAIRWAY TO HEAVEN

Vous entendrez le premier extrait à l'endroit, tel que vous l'entendez sur le disque.
L'extrait suivant, est le même passage, mais passé à l'envers...
Cette chanson, classée parmi l'une des meilleures du siècle par la BBC et faisant partie du top 5 des chansons de mariage dans les pays anglo-saxons, contient une série de longues phrases inversées subliminales.

EXEMPLE No 5 : LED ZEPPELIN - BLACK DOG

Vous entendrez le premier extrait à l'endroit, tel que vous l'entendez sur le disque.
L'extrait suivant, est le même passage, mais passé à l'envers...
Pour info, le chien noir est associé au diable dans la mythologie traditionnelle.

EXEMPLE No 6 : EAGLES - HOTEL CALIFORNIA

Vous entendrez le premier extrait à l'endroit, tel que vous l'entendez sur le disque.
L'extrait suivant, est le même passage, mais passé à l'envers...

Voilà, je fais arrêter là mon exploration des recoins obscures du rock et de la contre culture...La vérité est ailleurs...au fond de coffre-forts en Suisse ou au fond d'un lit!

Comme promis...

2009-02-24T06:09:00.000+01:00

Je viens, par ce pitit billet, vous présenter deux merveilles issus du Stoner... je vous l'avais dit, je crois que je suis tombé sur un filon !!! Il s'agit des deux albums de Sleeping karma. On ne sait pas grand chose d'eux si ce n'est que le groupe vient d'outre-rhin et comporte quatre gugus : Seppi, Steffen, Matte et Norman. Ils sont à fond barrés bouddhisme et tout le tra-la-la, ce qui n'empêche pas leur son d'être tout à fait moderne : progressive, psychedelic, stoner, instrumental, post rock...

My Sleeping Karma

1. Intention
2. 23 Enigma
3. Hymn 72
4. Glow 11
5. Drannel Xu IIop
6. Eightfold Path

mot de passe : postrip.blogspot.com

Satya

1. Ahimsa
2. Interlude I
3. Satya
4. Interlude II
5. A-staya
6. Interlude III
7.Svaatanya
8. Interlude IV
9.Brahmachary
10.Apangraha
11.Interlude V
12.Sandi

mot de passe : postrip.blogspot.com

Music Playlist at MixPod.com

Retour à l'age de pierre!!!

2009-02-19T18:56:00.000+01:00

Mon ami Jim, grand spécialiste devant l'Eternel de musiques fleurant le métal, la graisse et le cuir, me signala que j'étais passé à coté d'un mouvement musical qui descendait en ligne directe du psychédélisme : Le Stoner Rock...Bien qu'ayant depuis longtemps délaissé les musiciens à demi nus et/ou grimés qui agitent frénétiquement leurs chevelures pour des artistes plus stratosphériques, il me semblait important de pondre un pitit billet sur ce sujet!

Le stoner rock (ou stoner metal) est un style de rock et de metal se caractérisant par des rythmiques hypnotiques, simples et répétitives, une basse très lourde et un esprit rock inspiré par le psychédélisme des années 70, notamment par Black Sabbath et une imagerie mêlant comic-books, films d'horreur de série Z, références aux Ovni et à la science-fiction.
Arrêtons nous, un instant, sur Black Sabbath avec leur premier tube passé (je pense) dans le patrimoine musical mondial!!!

Black Sabbath est le groupe fondateur du heavy metal. La formation originelle du groupe britannique était composée de Tony Iommi à la guitare, Ozzy Osbourne au chant, Geezer Butler à la basse et Bill Ward à la batterie.

Le groupe eut très rapidement du succès à cause de son coté « satanique », ou considéré comme tel. Cette direction artistique trouve son origine dans la lecture par Geezer Butler d'œuvres de Dennis Wheatley, traitant de magie noire. En effet, il raconta au groupe la vision qu'il eut un jour d'une silhouette noire encapuchonnée au pied de son lit. S'inspirant de cette histoire, le groupe écrivit une chanson intitulée Black Sabbath dont le titre était tiré d'un film de 1963 avec Boris Karloff. Constatant le nombre de personnes attendant au dehors des cinémas, Ozzy Osbourne déclara "qu'il était étrange de voir tellement de gens dépenser autant d'argent pour voir des films d'horreur. Ceci nous donna l'idée de jouer de la musique plus sombre, plus effrayante". Le groupe commença alors à écrire des chansons sombres et sinistres afin d'apporter une réponse musicale aux films d'horreur ainsi qu'une sorte de rébellion contre la musique « heureuse » répandue dans les années 60. Le coté obscur du son du groupe est la conséquence indirecte d'un accident, Iommi ayant perdu les bouts de deux doigts de sa main gauche à l'époque où il travaillait dans une aciérie. Au départ, il s'est fabriqué des prothèses à partir du plastique fondu d'une bouteille de détergent. Ses doigts blessés étant plus sensibles, Iommi réduisit la tension des cordes de sa guitare Gibson Guitar Corporation du E standard (mi) à C# (do#) , ce qui permit d'atténuer la douleur à l'extrémité de ses doigts lorsqu'il jouait. Geezer Butler abaissa alors la tonalité de sa basse pour la faire correspondre à celle de Iommi. Ceci a donné à la musique une tonalité plus lourde, collant ainsi mieux aux paroles du groupe. Enfin, Iommi, un ancien métallo, fut le premier, depuis des siècles, a briser un tabou musical...le triton

En musique, triton est un autre nom de l'intervalle de quarte augmentée, ou encore de quinte diminuée. Ce nom est dû au fait que cet intervalle fait exactement trois tons, soit une demi-octave. Le triton a pour particularités:

d'être un intervalle à mouvement obligé (cet intervalle demande à être résolu du fait de la tension qu'il engendre),
et d'avoir lui-même pour renversement (un triton renversé donne un triton).

Par exemple, les intervalles fa - si, do - fa♯ et ré♭ - sol sont des tritons (quartes augmentées si considérés ascendants, quintes diminuées si considérées descendantes). do - sol♭ en est un également (quinte diminuée ascendante ou quarte augmentée descendante).

Dans la gamme tempérée, le rapport de fréquences entre la note de base et celle qui lui est supérieure d'un triton est 2^1/2 ().

Dans la gamme pythagoricienne, ce rapport est 729/512 soit (9/8)³.

Dans la gamme naturelle, ce rapport est 45/32, soit 9/8 x 9/8 x 10/9 : les trois tons sont en fait deux tons majeurs et un ton mineur.

Dans l'harmonie classique, l'intervalle de triton est considéré comme l'intervalle dissonant par excellence. Il est également la « pierre angulaire » de la cadence parfaite.

Pendant le haut Moyen Âge, la composition musicale du chant grégorien n'hésitait pas à faire apparaître le triton dans les mélodies du septième mode, dont les développements autour de la corde modale du Ré s'appuyaient à la fois sur le Si (à la tierce inférieure) et sur le Fa (à la tierce supérieure). Ce triton structurel contribue fortement à l'aspect désorientant du mode. A la fin Moyen Âge, le triton a été systématiquement évité car jugé trop dur à l'oreille, ce qui lui valut le surnom de « Diabolus in Musica » — le « Diable dans la musique ».

« Il semble avoir été envisagé comme un intervalle "dangereux" lorsque Guido d'Arezzo développa son système hexacordal avec l'introduction du si bémol en tant que note diatonique, tandis que l'intervalle recevait en même temps son surnom de Diabolus in Musica le diable dans la musique »
— Denis Arnold, « Tritone » .

En raison de cette association symbolique originelle, les sonorités de l'intervalle ont été, dans l'inconscient populaire, culturellement assimilées à quelque chose de diabolique. Aussi, de nos jours, l'emploi du triton tend souvent à connoter un sentiment « malsain » ou « maléfique », surtout quand sa dissonance est utilisée sans fonctionnalité tonale. On entend aussi fréquemment cet intervalle dans les klaxons, ce qui leur donne cette sonorité agressive. On l'entend aussi dans diverses sonneries destinées à attirer l'attention.

Le fameux morceau avec le fameux amphibien...

Pour rajouter à la légende, leur premier album éponyme sort le vendredi 13 février 1970...

Black Sabbath - Black Sabbath [1970]

mot de passe: undiscoaldia.blogspot.com

Personnellement, je préfère le second...

Black Sabbath - Paranoid [1970]

mot de passe: undiscoaldia.blogspot.com

Revenons au stoner rock, dont le nom provient de l'aspect répétitif de cette musique, très associée à l'état "stone" dû à la prise de diverses drogues. Il est généralement récusé par les musiciens eux mêmes qui lui préfèrent ceux de "doom metal", "space rock", "retro rock", et surtout, dans le mouvance Josh Homme ( QOTSA, The Desert Sessions, Kyuss, MOR, Eagles of Death Metal) : "desert rock". Le stoner rock se développe en Angleterre au début des années '90 avec des groupes tels que Cathedral et Electric Wizard. Aux Etats-Unis, sur la côte Ouest et plus particulièrement en Californie un groupe émerge : Kyuss. Le Stoner rock y subit alors d'autres influences que Black Sabbath comme par exemple le rock sudiste, le rock alternatif de la région de Seattle ( Melvins, Soundgarden...) ou encore le Doom metal des années 80 (The Obsessed, Trouble). Sur la côte Est, un groupe émerge également : Monster Magnet, plus influencé par les groupes de hard rock du début des années 70 (Grand Funk Railroad, Blue Cheer). Quoiqu'il en soit, toutes ces tendances semblent viser à un retour aux sources du hard rock / heavy metal, ces groupes n'hésitant pas à reprendre sur leurs albums des classiques de la fin des années 60', début des années 70' afin d'encore mieux affirmer leur héritage et retrouver des sensations plus "seventies" et moins ultimes, simplifiant et redynamisant, avec des éléments bluesy et très lourds, un hard rock/ Heavy metal devenu plein de poncifs dans les années 1980.

Le stoner étant un genre musical tellement riche que mon acolyte métalurgiste m'a proposé une classification rapide:

Retro Stoner : qui fait croire que le disque a été enregistré en 1972. On s'y croirait tellement que Protat l'a inclus dans son encyclopédie des Seventies sans se méfier !
Un extrait avec The beginning et Soul révolution en cliquant ici!

Le Neo Retro Stoner (on joue de la musique 70, avec le son et l'esprit, mais on rajoute quelques gimmicks modernes)
Un extrait avec The Divine Baze Orchestra et Choose your green en cliquant ici!

Le Neo-Krautrock :

Heavy-Kraut :

L'atmospheric Stoner :
Un extrait avec Drak von Trip et One of a kind en cliquant ici!

Le Doom mélodique :
Un extrait avec Trouble et After the rain en cliquant ici!

Ceux qui sont restés aux 60's :

Le Southern Stoner (US ou Suédois généralement) :
Un extrait avec Backdraft et Angels High en cliquant ici!

Le Stoner soul-jazz (from New-Orleans, of course!!!) :

Le Stoner mélancolique (Dark Stoner ?) :

Le Doom :

Le Post-Rock-Stoner :

Le ???? :
Un extrait de Circle avec Hautain Takaa en cliquant ici!

le Blues Stoner :

Le Metal Stoner :
Un extrait de Corruption avec 99% of Evil en cliquant ici.

Le Folk Stoner :

L'Americana Country Drone Stoner :

Le Space Stoner-Jam :

Le Heavy Doom :

Le True Atmospheric Doom :

Dixie Stoner :

Ultra Doom :

Personnellement, je pense qu'il y a de véritables pitites gemmes à dégoter dans tout cela...Dès que j'en trouve une...Promis, je vous la (les) fait partager!!!

Une brève histoire de la musique psychédélique.

2009-02-18T10:01:00.001+01:00

Le rock psychédélique est un genre musical apparu au milieu des années 1960, inspiré par l'usage de drogues hallucinogènes et notamment du LSD. Ce genre est caractérisé par une construction rythmique peu complexe et hypnotique, des mélodies répétitives et pénétrantes, des solos instrumentaux longs et tortueux, modelés d'effets sonores tels que la wah-wah et la distorsion, le tout dans des morceaux généralement assez longs. Ce concept s'est propagé à des degrés divers dans plusieurs styles musicaux dans le rock mais aussi dans d'autres milieux comme la musique soul. Il forme avec la pop psychédélique (encore appelée psychédélia) l'une des deux branches musicales majeures du psychédélisme.

Les 13th Floor Elevators, groupe texan, sont les premiers à définir leur musique comme étant du "rock psychédélique". Dès janvier 1966 ils impriment une carte de visite à leur nom et portant la mention "psychedelic rock". Le 10 février 1966 voit aussi la première parution du terme dans un journal (Austin Statesman), dans un article sur le groupe.

(A noter la présence d'un instrument mystérieux... La cruche électrique - on la voit dans la vidéo!!!- qui conférait au groupe un son bien identifiable)

Leur album,The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators, sorti en novembre 1966, est l'un des premiers, avec ceux de The Deep et des Blue Magoos, à porter le mot "psychedelic" dans leur titre.

The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators (1966)

The Deep - Psychedelic mood (1966 Réédition Fallout 2006)

Blues magoos - Psychedelic lollipop (1966)

Ce style était particulièrement caractéristique des groupes de la côte ouest des Etats Unis, tels que Grateful Dead, Quicksilver Messenger Service, Tommy James and the Shondells, Jefferson Airplane, les Seeds, Love et Spirit avec son album "Twelve dreams of doctor sardonicus".

Des formations de blues-rock, comme Jimi Hendrix (avec,notamment, sa chanson "Purple Haze" qui, je le rappelle en passant, n'aurait rien à voir avec l'absorption de produits élargissant le champ de la conscience mais lorgnerait plutôt du coté de la science fiction) et les Doors ont subi l'influence du mouvement et ont contribué à son succès. Des formations moins connues sont apparues dans d'autres régions des USA, comme Bubble Puppy au Texas, Vanilla Fudge et The Third Bardo à New York.

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Le premier disque de Frank Zappa, Freak Out!, sorti en 1966 (2e double album de l'histoire du rock-le 1er étant « Blonde on Blonde » de Bob Dylan sorti en mai 1966), est fortement imprégné du concept « psyché », le morceau Trouble Every Day étant un modèle du genre.

Les Byrds participeront au genre avec l'album Fifth Dimension.

C'est ici que la 12 cordes électrique gagne son statut d'instrument emblématique du mouvement psychédélique grâce à Roger McGuinn. Même remarque avec le tambourin avec ce hit planetaire (écrit par Bob Dylan) de ces drôles d'oiseaux qui se sont ensuite envolés vers d'autres contrées plus rurales...

L'influence psychédélique s'est également fait sentir dans la musique « noire », et le célèbre label Motown sous l'impulsion du producteur Norman Whitfield, a donné naissance entre autres aux succès Ball of Confusion et Psychedelic Shack, joués par les Temptations.

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À la fin de la décennie, des groupes plus électriques apparentés au hard rock, les Stooges, le MC5, Grand Funk Railroad, et surtout Iron Butterfly, avec son célèbre morceau In-A-Gadda-Da-Vida, donnèrent un nouveau terrain d'expression à l'esprit psychédélique. De même Led Zeppelin a révolutionné le psychédélisme en introduisant dans ses chansons (surtout Dazed and Confused et Whole Lotta Love) un interlude très spécial.

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En Grande-Bretagne, la « révolution » psychédélique s'est produite plus tard, mais son impact n'en a pas été moins significatif sur la scène rock.

The Piper at the Gates of Dawn (1967)

D'abord les Pink Floyd avec leur premier album The Piper at the Gates of Dawn, presque entièrement composé par Syd Barrett, l'un des précurseurs de la musique psychédélique, ainsi que des artistes confirmés comme Eric Burdon des The Animals, The Who, les Beatles et même les Rolling Stones ont composé nombre de chansons aux accents psychédéliques. Pour les Beatles, cette influence, déjà nettement perceptible dans la chanson "Tomorrow Never Knows", sur l'album Revolver (1966), est prépondérante dans "I Am the Walrus" de l'album Magical Mystery Tour. Ils ont également sorti le titre "Blue Jay Way" (écrit et composé par George Harrison, qui était le membre du groupe le plus ancré dans l'atmosphère psychédélique), dans lequel on peut entendre des voix et chœurs vaporeux, presque murmurés, une batterie « floue » et des tonalités très orientales. En ce qui concerne les Rolling Stones, même si l'influence psychédélique se ressent dans plusieurs morceaux du début de leur carrière, le groupe a créé tout un album que l'on peut qualifier de psychédélique : Their Satanic Majesties Request (1967), avec des morceaux typiques tels que Citadel, 2000 Light Years from Home et, plus connu, She's a Rainbow.

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Pourtant, ni les Animals, les Beatles, les Who et les Rolling Stones ne peuvent êtres classés comme groupes de rock psychédélique. La musique de Cream et de Pink Floyd à ses débuts est beaucoup plus représentative du mouvement psychédélique britannique. C'est cependant avec The Deviants, Hawkwind et les Pink Fairies que le concept s'implanta en Grande-Bretagne. L'influence du mouvement psychédélique se fit également sentir sur le rock progressif britannique qui en recycla certaines recettes pour en faire des produits plus alambiqués (Pink Floyd, Yes).

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Dans les années 80, le mouvement s'assagit et se réfugie dans le giron de la new-wave...avec des groupes comme the Cure, Siouxsie and the Banshees, Echo and the Bunnymen, Teardrop Explodes, the Chameleons, Bauhaus, Love and Rockets...A noter que, vers 1983-1985, le mouvement s'accommode d'un certain retour sur le devant de la scène des instruments acoustiques et notamment de la guitare...C'est à cette époque qu'un sursaut revivalistique a pu être observé avec des groupes comme the Church, REM, the Rain Parade...

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Au début des années 90 apparait aux Etats-Unis un nouveau style largement influencé par le rock psychédélique : le stoner rock, composé de riffs à la fois lourds, répétitifs, et mélodiques, agrémenté de solos hypnotiques. Incarné dans ses débuts par le groupe Kyuss, la sortie de leur album Blues for the Red Sun (1992) sera une source d'inspiration pour nombre de nouveaux groupes.

On trouve de nos jours beaucoup de groupes de ce style, souvent peu connus, comme Colour Haze, Brant Bjork and The Bros...Le groupe américain Monster Magnet (influencé par le stoner rock), conduit par son chanteur exubérant Dave Wyndorf génère actuellement (2004) une musique fusionnant space rock, rock psychédélique et heavy metal.

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Le psychédelisme est une composante très importante d'une certaine scène rock indie comme par exemple Anton Newcombe,et son groupe The Brian Jonestown Massacre, ainsi que dans le son de ses amis, proches ou ex-membres, Black Rebel Motorcycle Club, The Warlocks, The Dandy Warhols, The Quarter After, The Asteroid n°4, The Black Angels.

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A noter que certaines musiques électroniques actuelles, de type techno ambient ou trance , auraient été classées dans le mouvement psychédéliques si elles étaient apparues avant les années 1990.

Il ne faut pas avoir honte de nos origines...

2009-02-15T19:10:00.000+01:00

Chers lecteurs et chères lectrices, je suis sûr que vous avez deviné que mes premières amours musicales procédaient du Glam-rock...Si j'étais trop pitit pour apprécier la substantifique moelle de messieurs Marc bolan et David Bowie, les compositions de Gene Simmons et de Paul Stanley furent pour moi d'honorables moyens de substitutions!

Beaucoup de choses ont été dites et écrites sur KISS...La plupart sont malheureusement vraies... KISS n'en reste pas moins un très grand groupe de Rock'n Roll...qui a révolutionné, à sa façon, le genre, comme nous le montre la video suivante:

Tout commence en 1971 lorsque Paul Stanley ( The Starchild qui s'appelle alors Stanley Eisen) rencontre un jeune homme né en Israël, à Haïfa, appelé Chaim Witz et qui deviendra plus tard Gene Simmons (ou bien The Demon ou "grande langue"). Les deux compères, tous deux fans des Beatles ont déjà joué chacun de leur coté et décident de monter un groupe avec d'autres jeunes de leur âge. Les deux jeunes gens ont d'ailleurs du mal à s'entendre au début par la faute d'une certaine rivalité entre eux, cependant chacun trouvera rapidement sa place. Le groupe baptisé Wicked Lester joue dans un style Beatles ou Jethro Tull. Certains morceaux qui feront plus tard les beaux jours de KISS (She, Love her all I can). Même si le style reste assez éloigné de KISS, cette expérience leur permet de se roder et de développer leurs qualités de songwriter. Bien qu'ils écrivent peu ensemble et que leurs styles soient assez différents, Stanley et Chaim s'entendent bien. Néanmoins, et malgré le fait que le groupe réussisse à se faire signer, l'histoire se termine peu avant l'enregistrement. Cependant des traces de cette époque existe...(il y a trente ans, j'aurais tué père et mère pour avoir accés à cet enregistrement)

Le line up de l'époque était le suivant:

Gene Simmons (bass & lead vocals)
Paul Stanley (guitar & lead-vocals)
Ron LeeJack (guitar & banjo)
Brook Ostrander (Piano & Horns)
Tony Zarella (drums)
(Steve Coronel - additional guitars)

01 Love Her All I Can (2:28) Stanley
02 Sweet Ophelia (2:56) Barry Mann/Gerry Goffin
03 Keep Me Waiting (3:04) Stanley
04 Simple Type (2:33) Simmons
05 She (2:54) Coronel/Simmons
06 Too Many Mondays (3:27) Barry Mann/Cynthia Weil
07 What Happens In the Darkness (2:59) Tamy Lester Smith
08 When The Bell Rings (3:11) Austin Roberts/Christopher Welch
09 Molly (aka Some Other Guy) (2:23) Stanley
10 We Want To Shout It Out Loud (2:04) The Hollies

Bonustracks : Kiss demo 1974
11 Deuce (3:23) Simmons
12 Strutter (4:58) Stanley/Simmons
13 Cold Gin (5:13) Frehley
14 Watching You (3:53) Simmons
15 Black Diamond (3:48) Stanley

Wicked Lester (1970)

Une autre pitite curiosité, dégotée sur Youtube, les premiers enregistrements professionnels de Paul et Gene sur l'album de Lyn Christopher (téléchargeable ici et ici), le tout agrémenté d'un slideshow de photos d'époque.

Il semblerait alors que les deux compères qui ont découvert Cream, Deep Purple et Led Zeppelin cherchent à s'éloigner du style un peu tendre de Wicked Lester. Ceux-ci passent alors une annonce dans Village Voice et recrutent un batteur nommé Peter George John Crisscuolla et qui deviendra Peter Criss. Ce natif du Bronx a déjà un passé musical derrière lui et a enregistré un album avec un groupe baptisé Chelsea. Ses influences semblent plus jazzy, il a d'ailleurs pris quelques cours informels avec Gene Krupa, mais ce dernier est, tout comme ses camarades, animé d'une sérieuse envie de réussir. Les répétitions s'enchaînent alors mais devant les difficultés de Paul Stanley à assurer seul la guitare, les trois compères passent une nouvelle annonce afin de recruter un guitariste soliste “ayant du style et des couilles” (dixit Paul). Après une âpre lutte face à Bob Kulick, Paul Daniel Frehley (rebaptisé Ace) est finalement choisi. Doté d'un bon style à la fois rock et blues, cet autre natif du bronx est alors définitivement intégré au groupe qui est maintenant au complet. Les répétitions et les premières parties s'enchaînent. Désireux de se faire remarquer parmi la multitude groupe qui sévissent à l'époque, Gene Simmons, amateur de films d'horreur et de comic books, a l'idée de se maquiller. Tout d'abord assez sommaires, ces derniers se perfectionnent peu à peu : KISS ETAIT NE !

KISS mérite-t-il sa place aux HAPPY HUNTING GROUNDS? Il se trouve que ma chanson préférée de ce groupe mythique est 2000 man sortie sur Dynasty en 1980 en pleine période disco!

La version 1979 avec le fameux maquillage:

La version 1995 sans maquillage et en acoustique:

Il se trouve que cette fabuleuse chanson est issue de l'album des Rolling Stones, Their Satanic Majesties request, sorti en pleine période psychédélique. C'est le seul album de ce style pour le groupe, qui parodie Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band des Beatles (également en ce qui concerne la pochette, qui sera en 3D pour le vinyle). Their Satanic Majesties Request, qui ne fut pas un succès à sa sortie est aussi un des moins bien considérés du groupe. L'album contient les deux classiques 2000 Light Years from Home et She's a Rainbow, qui fut utilisé par Apple et Manpower dans des publicités. Il bénéficie de la participation de John Lennon et Paul McCartney aux chœurs sur le premier titre, de Nicky Hopkins au piano, et des orchestrations de John Paul Jones, futur bassiste et organiste de Led Zeppelin.

Track list:

Sing This All Together – 3:46
Citadel – 2:50
In Another Land – 3:15
2000 Man – 3:07
Sing This All Together (See What Happens) – 8:33
She's a Rainbow – 4:35
The Lantern – 4:23
Gomper – 5:08
2000 Light Years from Home – 4:45
On With the Show – 3:39

Their Satanic Majesties request (1967)

Tous les chemins, même les plus tortueux, mènent donc aux HAPPY HUNTING GROUNDS!!!

Pas de mains, pas d'os...

2009-02-14T07:52:00.000+01:00

En 1989, c'était ma chanson préférée... J'adore les paroles, la musique...J'ai passé des heures à la jouer à la guitare...

Got no hands and got no bones
Probably end up in an old man's home without that girl
Stranger than fiction that's what it seems
Always says exactly what she means
Yes she does
She's a woman, woman with a reason
She's got reason

Points to the sun and gives you the moon
Always early afternoon
Her book puts the true Mexican kings
They give her rubies, lots of things
Yes they do
She's a woman, woman with a reason
She's got reason

Hangs on to the sky like it was a coat
Head ablaze and her hair afloat (hey now woman)
She lives in the day and she waits for the night
She don't mind, she says it's alright
I do believe it is
She's a woman, woman with a reason
She's got reason

Got the soul of a Cocteau book
The way she acts and the way she looks
I can't explain
She's warm like the sun
Tries to touch everyone
That woman
She's a woman, woman with a reason
She's got reason

It doesn't matter about the time or the season
That woman's got so much reason
Woman with a reason
Gotta be with the Mexican kings
They give her rubies and lots of things

J'ai connu cette chanson par le biais d'une reprise de Steve Kilbey sur son troisième album solo "the slow crack"... Après quasiment vingt ans de recherche, que ce soit dans la vraie réalité (mais, peut être dans le mauvaise hémisphère!!!) ou dans la réalité virtuelle, j'ai enfin réussi à mettre la main sur l'original qui fut commis Company Caine (aussi connu sous les noms de C° Caine ou Company Kane), un groupe de rock progressif originaire de Melbourne fondée en 1970.

Company caine - Product of a broken reality (1971)

Tracks list:
Symptoms,
Trixie Stonewall's Wayward Home For Young Women
The Cell
Theme for Vishdungarius
Woman With Reason
Simple Song of Spring
The Day Superman got Busted
It's Up to You
Go See the Gypsy
The Last Scene

De l'autre coté du monde...

2009-02-13T06:06:00.000+01:00

J'ai réussi à me procurer quelques images rares de la collaboration Kilbey /Kennedy évoqué dans le billet du 3 février dernier...

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Martin Kennedy est le membre fondateur de All India Radio, un groupe electro à tendance ambient et downtempo originaire de Melbourne. On est à la croisée des mondes de Brian Eno, de Massive Attack et de Steve Kilbey. J'aime particulièrement le traitement des guitares dans les différents opus du groupe... Oh, je sais...Il n'y a pas de quoi faire retourner le grand Jimmy dans sa tombe...On est dans le domaine de l'épure...Pour paraphraser St Exupéry, il n'y a plus rien à enlever...On est en présence de guitares fantomes (bien présentes) égrainant de mélodieux arpèges et de délicats gimmicks le plus souvent nimbées sous un nuage de chorus et de reverb.

ALL INDIA RADIO- The Inevitable (1999)

1. Hotel Madras
2. Street conversions
3. Losing Houston
4. Night fevers
5. Bollywood nights
6. Wake in Waco
7. Holy cowboys
8. All india radio
9. Radio silence
10. The final frontier
11. Bombay mafia
12. Departure Lounge Tea break
13. All india Radio (Drivetime remix)
14. Hotel Madras (Reprise)

MARTIN KENNEDY- These Winter Dreams (2008)

1. Slow Burn
2. Warm
3. Fuzzy
4. Evening pills
5. Heat
6. Strange days
7. Ebow drone
8. Steel sunrise (Ai mix)
9. Driftwood
10. Narita morning
11. Dark ambient 4
12. An appointment

ALL INDIA RADIO- All India Radio (2003)

1. Home
2. Tijuana Dream
3. Silent Surf
4. Untitled Beginning
5. Evening Star
6. Open Sky experiment
7. Voodoo instrumental
8. Moon rise 1989
9. Waukaringa
10. Trincomalee
11. 1058
12. Home II

ALL INDIA RADIO- Permanent Evolutions (2005)

1. Open Sky experiment (ST- 244 remix)
2. Permanent Revolutions (Don Meers remix)
3. Little Mexico
4. How many, for how long (Morphodic Bliss mix)
5. Dark ambient (AM mix)
6. Life and how to do it
7. For Angel (All india Radio vs Don Meers mix)
8. Lo Fi Groovy
9. Walking on A.I.R.
10. Delhi Dub
11. Pray to the TV funk (Left Brain mix)
12. A moment (TV version)
13. Old india
14. The long goodbye

ALL INDIA RADIO- Echo Other (2006)

1. Tropic of Unicorn
2. Four Three
3. The time
4. Sunshine Briefly
5. Elisabethland
6. The Quiet Ambient
7. Song in C
8. Mexicola
9. Ghost Dirt
10. Whistle
11. Echo other
12. Endless Highway

ALL INDIA RADIO- FALL (2008)

01. Far Away
02. Persist

03. Fall

04. Morning Drops

05. The End Or Near

06. Let Me Remain

07. Endless Night

08. Morning Drops Ambient

09. Chameleon

10. Asphixciate

A écouter sur une plage austalienne un soir de fin du monde:

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Une petite chose sensible et fragile...

2009-02-12T17:31:00.000+01:00

J'adore Nancy Sinatra...Pas vraiment sa musique (mis à part "bang, bang (my baby shot me down)" et "these boots are made for walking" avec son fameux gimmick à la contrebasse), mais plutôt ce qu'elle représente...Pour moi, c'est l'icone féminine de l'Américana des late 60's (Clint Eastwoood dans Dirty harry étant la version masculine). Mais, je ne vais pas vous parler de cette voluptueuse créature, mais plutôt de son compère de toujours Lee Hazlewood, un producteur et un musicien dont l'œuvre, proche parfois de l'œuvre psychédélique d'un Leonard Cohen, ou de celle pop et western d'un Johnny Cash, est sans doute à redécouvrir... Lors d'un mes voyages en Bourgogne, j'ai découvert à travers la lecture d'un INROCKUPTIBLES qui trainait, qu'il était aussi le producteur d'un artiste étrange dénommé Arthur dont l'oeuvre était définitivement perdu dans les confins de l'oubli...Un défi à relever pour le gros curieux que je suis...Quelques heures à fureter dans les sombres recoins du réseau suffirent pour dénicher cette curiosité...C'est à ce titre uniquement, qu'il figure dans les HAPPY HUNTING GROUNDS...Ce n'est pas vraiment ce que j'écoute, mais bon...

Arthur "Dreams & Images" (1968)

Arthur (de son vrai nom Arthur lee Harper) a le don de la tristesse et de l'introspection. Sa voix timorée, presque efféminée, souligne une impression de solitude et de détachement. Arthur chante des mélodies simples, minimalistes et languissantes, empreintes de mélancolies. Sorte de folk de chambre dépressif, l'unique album d’Arthur "Dreams & Images" (1968) est tout en finesse et en sensibilité. Une guitare acoustique égrène lentement ses notes alors qu’une orchestration légère s’échappe de nulle part.

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Alternate Americana

2009-02-10T20:04:00.000+01:00

J'aime, de temps à autre, me promener dans les chemins ruraux et musicaux du nouveau monde...Sun kil moon...Un moment de grâce avec tout particulièrement l'album "the ghosts of the great highway" sorti en 2003. Naviguant entre folk-rock, country, dream pop et rock, le groupe (autour de Mark Kozelek, fondateur des Red house painters) propose un mélange bien dosé entre Neil Young, Nick drake et Slowdive, le tout porté par la voix boulerversante de son leader.

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Track list

"Glenn Tipton" - 4:16
"Carry Me Ohio" - 6:21
"Salvador Sanchez" - 6:29
"Last Tide" - 2:55
"Floating" - 3:19
"Gentle Moon" - 5:18
"Lily and Parrots" - 4:18
"Duk Koo Kim" - 14:32
"Sí, Paloma" - 5:32
"Pancho Villa" - 5:12

The ghosts of the great highway (2003)

An undiscovered wonder!

2009-02-10T17:32:00.000+01:00

Mais comment fait-il pour nous dégoter de tels trésors? Eh bien, je fais vous dire un de mes secrets...A chaque fois que je fais chez mon beau frère en Bourgogne, je me précipite sur ses INROCKRUPTIBLES histoire de voir si je ne tomberai sur une chronique qui ne tillerait pas ma curiosité...Dans la plupart des cas, lors que j'écoute les choses que j'ai retenue, je suis déçu...Cependant, il existe des exceptions et SUBWAY en est une!!!

C'est un album fantastique d'une rare beauté aux arrangements extaordinairement modernes pour l'époque qui croupit malheureusement au plus profond des annales du folk, du rock progressif et psychédélique de l'année 1972...SUBWAY était formé de deux musiciens (un anglais et un americain) qui se sont établis en France...Ils ont sorti ce disque à 200 exemplaires et ont disparu sans laisser de trace...Leur seule prestation scenique se serait passée dans le métro parisien et pour ajouter à la légende, il est dit que les invendus auraient été refondu (c'était hélas une pratique courante à l'époque!!!)

Subway - Subway (1972)

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De la pop en sépia color

2009-02-05T22:37:00.000+01:00

Goldfrapp-Seventh tree (2008)

Après Supernature, back to nature. Telle pourrait être l'accroche pour le quatrième album du flamboyant duo électro britannique qui confirme, outre sa classe folle, sa capacité à surprendre, à se réinventer. On s'attendait à une suite, au risque de la redite, de leur épatant opus glam-disco Supernature (avec son irrésistible tube bêta Ooh la la), il n'en est rien. Seventh Tree est même tout l'opposé. Comme si Alison Goldfrapp et Will Gregory étaient revenus sur leurs pas, c'est-à-dire à Felt Mountain, l'album qui les révéla dans toute leur potentielle diversité en 2001. Adieu paillettes, boules à facettes et ambiances de dance floors décadents, place à des mélodies et à des sons plus purs, plus organiques, inspirés par les arbres et la verdure, les animaux et la nature. Avec, tout de même, cette forte touche de mystère et de fantastique que la littérature et le cinéma britanniques ont toujours su si bien cultiver...

Car si la vénéneuse et impénétrable diva (rare objet d'admiration revendiqué par la vamp Madonna) a troqué sa défroque de Lili Marlene glaciale pour celle d'une hippie chic bucolique, elle demeure fidèle à son art de distiller cet érotisme distant et équivoque qui fait tout son attrait.

Le tube de l'album "A&E"

Mais Seventh Tree ne séduit pas simplement parce que son concept est audacieux et culotté et que je l'ai découvert par le biais du blog de Steve Kilbey. Goldfrapp et Gregory ont surtout composé de bonnes chansons d'un folk orchestré (guitare acoustique, harpe, orgue et synthés bricolés) qui évite les pièges de l'easy listening indolore ou de la chansonnette filasse (deux genres qui font, hélas, florès aujourd'hui). La preuve en image avec "Clowns"et "Monster love".

Entre harmonies 70's kitsch à la New Seekers et le swing sixties aérien et psychédélique d'une Julie Driscoll ou d'une Dusty Springfield, Alison explore, sans jamais en faire trop, toute l'étendue de son registre vocal. Seventh Tree est une invitation à prendre l'air qu'on aurait tort de décliner comme dans le morceau "Little bird".

Un anglais bien sympathique...

2009-02-05T06:13:00.000+01:00

Enfant unique né en septembre 1959 dans le jardin de l'Angleterre d’une maman comédienne et d’un papa écrivain, Paul Roland s'intéresse très tôt à la poésie et à l’histoire. Son intérêt pour la musique arrive plus tard. Ces premières influences rock, il les puise dans le "Glam rock" du tout début des 70's (tout comme votre humble serviteur!) où il devient un fan inconditionnel de Marc Bolan. Il s’associe à John Williams pour l’enregistrement d’un premier single. Alors que son ami place sa chanson sur une des faces de la galette, Paul Roland grave sur l’autre son premier morceau intitulé "Oscar Automobile". Le single présente nos associés en herbe sous le nom de "Weird Strings". Les deux amis se séparent et Paul Roland entame une carrière en solitaire avec "Midnight Rags" comme nom d’emprunt.

Public Enemy (as 'Midnight Rags', 1979, EP)

John Peel croit en lui et passe ses morceaux sur la BBC. Ce tremplin exceptionnel lui permet d’enregistrer un premier album : "The Werewolf of London".

The Werewolf Of London, Part 1 (1980, CD)
The Werewolf Of London, Part 2: outtakes & unreleased (1980/81, CD)

En 1985, Alan Duffy du label "Acid Tapes" le remarque et pousse à la réalisation d’une cassette qui reprend son premier album rehaussé de deux nouveaux morceaux. Cette nouvelle étape dans la carrière de Paul Roland ouvre de nombreuses portes en Europe. En France, le label "New Rose" s’intéresse à sa musique.

En 1987 sort "Danse Macabre". Paul Roland estime alors être apparenté aux romantiques gothiques du 19ème siècle. En aristocrate excentrique, comme il se plaît à se définir, il tire son inspiration de la littérature anglaise sans se préoccuper du négoce vinylographique.

-Danse Macabre (1987, CD)

"A Cabinet Of Curiosities" (1987) et "Happy Families" (1988) ouvre la voie sur un public beaucoup plus large.

-Happy Families (1988, CD)

Il s’impose en France, en Italie, en Espagne, en Grèce.

-Live In Italy (1989, bootleg LP)

"Duel", un album plus rock, est réalisé en 1989.

Duel (1989, CD)

-Duel (re-recorded version 2003, CD)

"Masque" (1990) se remarque pour ses chansons où violons, orgues, clavecin ont la part belle.

-Masque (1990, CD)

Viennent ensuite les albums "Roaring Boys" (1991) et "Strychnine" (1992). Sur ce dernier, Paul Roland reprend des titres de Kevin Ayers, Donovan, Electric Prunes, Marc Bolan, The Sonics, le Velvet Underground, Siouxsie And The Banshees.

-Roaring Boys (1991, CD)

Strychnine (1992, CD)

Un premier "best of" voit le jour : "House Of The Dark Shadows".

"Sarabande" (1995) et "Gargoyles" (1997) perpétuent les chemins empruntés par Paul Roland en gardant toutes les références littéraires et atmosphères de Mary Shelley, Edgar Allan Poe, Bela Lugosi ou encore Lewis Carroll.

-Sarabande (1994, CD)

Live In Germany 1995 (1995, CD)

-Gargoyles (1997, CD)

2004, détour par Venise avec "Pavane" une nouvelle galette qui n'a rien de nouveau mais qui distille ce charme si typique de notre Anglais qu'il faut bien s'y laisser prendre. Le disque démarre sur une petite suite baroque au clavecin, mélancolique à souhait pour céder la place au trompeur 'Dark Carnival'. Pourquoi trompeur ? Car en dépit de son rythme entraînant, le morceau dissimule une touche bien glauque, il suffit d'écouter le refrain pour s'en convaincre ('Like a funeral procession, the parade winds down Main Street, to a wheezing pipe organ, dark carnival comes to town'). Comme le titre l'indique, 'Musette' a la douceur d'une musette de taverne avec accordéon, mandoline etc, si ce n'est qu'elle est attristée de touches de violon qui lui donnent vite un côté moins léger. Pour écrire 'Dice with the devil', ballade folk torturée, Paul Roland s'est inspiré tant du foklore italien que de la country (attention, hein ?) mais en tournant le tout à sa sauce; ce n'est pourtant pas son meilleur morceau. Je préfère 'Lucifer'servant' qui combine clavecins baroques et rythmique jazzy. 'Pavane', valse ultra lente, a un charme triste et feutré, presque intimiste. Visiblement, notre Anglais a voulu que 'Pavane' soit un disque calme car 'Phantoms' n'accélère nullement le tempo, il poursuit dans la lignée ballade mélancolique. Pareil pour 'Easter 1916' qui y mêle des éléments traditionnels vaguement médiévaux (mandoline, flûte). 'Hymn' plaît davantage par son côté poignant; il s'agit d'une sorte de prière chantée sur fond d'orgue et ce type d'ambiance me séduit toujours. 'Voodoo doll', sa rythmique jazzy bien balancée et ses arrangements dépouillés conservent intacte cette séduction dans un registre différent (miam !)

Pavane (2004, CD)

Dernier projet en date avec "Re animator" sorti en 2008. Le côté conteur de Paul Roland fait son apparition dès le premier morceau "Charles Dexter Ward". Il y plante ainsi le décor de son concept. Quand vient le morceau titulaire, le rythme se fait plus soutenu, le chant est nasillard durant les refrains alors qu'il prend des couleurs Al Stewart pour les couplets. Nous voilà alors envahi par l'ambiance de ce nouvel opus qui ne manque pas de nous séduire. Nous resterons ainsi captivé jusqu'à la dernière note."Taliesin" a des intonations celtiques indéniables. Le violon de Geoffrey Richardson n'y est pas pour rien. Le mystérieux "Valdemar" captive de par son chant et enivre de par sa musique. Un autre titre incontournable de cet opus est cet "Abdul Alhazred/Assassins" qui prend les couleurs d'un "Kashmir" de Led Zeppelin avec un guitariste qui vous arrache ses notes de ses tripes. Enfin, il y a ce "Cthullu" qui clôture l'opus de façon magistrale emportant tout sur son passage. Paul Roland est parfaitement soutenu par un groupe de pro au sein duquel on trouve des membres du légendaire Caravan. Son chant, qui prend souvent des intonations de conteurs, ne lasse jamais. Il possède son grain particulier s'en allant assez souvent chasser sur les terres d'un Al Stewart, ce qui n'est pas une petite référence. La différence se situe dans le fait que Roland prend un côté sombre lié aux histoires qu'il raconte alors que Stewart se fait plutôt charmeur. N'empêche que c'est à ce dernier qu'on pense en écoutant "Pan", principalement ses refrains, au rythme irrésistible.

Re animator (2008)

Fasciné dès l’enfance par le monde de l’occulte au point de vivre des expériences inhabituelles, il est devenu également un spécialiste reconnu du paranormal.

Une vie éphémère au crépuscule

2009-02-04T18:26:00.000+01:00

Si je savais jouer de la 12 cordes comme cet homme...(soupir) D'habitude, je n'aime pas les albums de guitare pure...Mais là, c'est beau...On navigue entre New-age, Ambient, Krautrock et folk...A écouter assis en position du lotus et les shakhras bien ouverts...

James Blackshaw est un inconnu ou presque. Sa musique est jusqu'à présent introuvable ou presque. Prédire que ce jeune homme de 24 ans est en passe de rentrer dans le club très fermé des grands compositeurs de folk n'est pourtant pas un vœu pieux, pas plus que n'est une vue de l'esprit le fait de dire que la découverte de ce guitariste constitue un séisme majeur dans un monde dont les points cardinaux pourraient s'appeler John Fahey, Robbie Bãsho, Berth Jansch et Davy Graham. On ne sait donc pas grand chose de James Blackshaw, sinon qu'il habite dans une petite ville du Kent (Bromley) au milieu de ce que l'on appelle le "jardin de l'Angleterre". Il y a encore cinq ans, il jouait avec Luke Younger, aujourd'hui moitié de Birds Of Delay (avec Steven Warwick), duo sauvage de drone / noise issu de la scène bouillonnante de Leeds. Depuis, James s'est mis sérieusement à la 12 cordes, a appris le cymbalum et la tamboura, joue de l'harmonium, d'un ensemble de percussions et de pédales d'effet, s'amuse à désaccorder des cordophones pour les transformer en koto, aime passer des heures à regarder le ciel en écoutant des disques par milliers. Avec une préférence avérée pour les 70s : Popol Vuh, Träd Gräs och Stenar, Sonny Sharrock, Charlemagne Palestine… et de la musique gamelan et nord indienne, plein. Musiques écoutées, comprises et assimilées qui circulent depuis librement dans ses mélodies envoûtées. La liste des gens avec qui James Blackshaw a joué en solo ou s'apprête à jouer pourrait encore lui servir de portrait chinois : Josephine Foster, Marissa Nadler, Peter Wright, Agitated Radio Pilot, Taurpis Tula, Simon Finn, Sir Richard Bishop, Sharron Kraus et bientôt Jesse Sparhawk ou encore Bird by Snow et Sean Smith, deux artistes west coast.

On cite souvent l'ombre de Sandy Bull et de Robbie Bãsho pour évoquer le travail de James. On ergote parfois sur les affinités esthétiques supposées qu'il pourrait entretenir avec tel songwriter plutôt qu'un autre, ce qui l'oppose à tel guitariste et le rapproche de tel autre. On remarque systématiquement qu'il s'est doté d'une technique impressionnante de fingerpicking. On peut dire encore que James Blackshaw s'est construit à l'ombre des grands actuels (Steffen Basho-Junghans, Ben Chasny, Harris Newman, Glenn Jones, Jack Rose, Gary Lucas et Jozef van Wissem...) un style singulier et une patte sonore aisément identifiables : des progressions et résolutions mélodiques impeccables, des effets d'emballement métronomique voire krautrockesque, de la reverb très souvent et un type de cordes à l'éclat toujours très métallique qui évoque sinon le pianoforte du moins des instruments à table d'harmonie du type psaltérion, tympanon… On peut enfin ajouter que cette oeuvre s'est construite fissa (cinq albums depuis Celeste en août 2004) et dans la plus grande discrétion (uniquement des tirages à moins de 500 exemplaires). Alors lorsque Important Records a décidé de presser les quatre longs morceaux de O true believers en des quantités rendant enfin audible la musique de James, on s'est dit que ce label devait faire œuvre de service public.

Et pourtant, aurait-on dit tout cela que l'on serait dans le vrai mais encore bien en-deçà de la vérité. Après tout, qu'importe la supposée maîtrise technique de James, qu'importe les papillonnements de doigts et les enchassements de mélodies à la limite de l'intelligible de Spiralling skeleton memorial : le folk a vu bon nombre de techniciens doués d'une âme de poète avant lui. Le folk est même un terreau fertile pour cette variété de musiciens. Qu'importe l'école musicale à laquelle James peut appartenir : John Fahey aurait-il osé une cadence aussi entraînante que sur le dernier morceau, O true believers ? A-t-on jamais laissé pénétrer autant de lumière dans un morceau de folk ? Blackshaw ne serait-il pas en train de faire une entorse aux canons du genre en citant aussi librement son intérêt pour Florian Fricke ? L'essentiel se joue sûrement ailleurs. Car toute tentative d'intellectualiser une musique dont sourd un plaisir viscéral et spontané qui excède ses propres limites et qui ne peut, pour en percevoir la beauté étourdissante, qu'être vécue et ressentie, n'est sans doute rien de plus qu'une malheureuse vanité. Aussi, si la musique de James peut se laisser appréhender par bouts (un craquement de siège dès les premières secondes du disque, des harmoniques vibrantes par-ci, un arpège par-là), elle est avant tout un bloc musical, une présence phénoménale cousue de silence et d'écho : la mise en place de Transient life in twilight est particulièrement frappante de ce point de vue. Une musique miroir donc, cousue de sa propre matière, de sa propre image, "une image fantôme" aurait dit Guibert, "une idée même et suave" de musique, aurait dit Mallarmé.

James Blackshaw - O true believers (2006)

Amis guitaristes..Regardez et pleurez!

Visual Audio Sensory Theater

2009-02-04T06:25:00.000+01:00

Il semblerait, que le temps avançant, les frontières entre les styles musicaux tendent à s'évanouir...La mondialisation, les nouvelles technologies, la mutation de l'hémisphère droit... Peu importe, du moment que la musique est bonne!
Ce weekend, mon ami Jim, grand et digne représentant du mouvement métal sur cette humble planète, m'envoie un mail me conseillant de jeter un œil sur un lien de youtube concernant un groupe relevant plutôt de ma sphère d'influence mais cependant chroniqué et encensé dans de nombreux magazines fleurant la graisse, le cuir et le métal...Je m'execute sur le champ et là: LE CHOC...Attention CHEF D'OEUVRE

Visual Audio Sensory Theater: un song writing et une sensibilité hors norme au sevice d'une expérience inédite...Imaginez plutot: samples et boucles de chants grégoriens, de voix bulgares, de chants d'esclaves, orchestre à cordes de 18 pièces, guitares acoustiques et indus voire neu métal, bidouillages electro... On est véritablement à la croisée des mondes...On passe d'un titre à l'autre du rock voire du alt-country le plus épuré au post rock ambient à tendance indus hyper travaillé en 1024 pistes...Hallucinant!!!

CHAUDEMENT RECOMMANDE
Visual Audio Sensory Theater (mot de passe: g0rg0jo)

"Here" – 4:56
"Touched" – 3:57
"Dirty Hole" – 5:36
"Pretty When You Cry" – 3:50
"I'm Dying" – 4:09
"Flames" – 4:37
"Temptation" – 3:09
"Three Doors" – 4:58
"The Niles Edge" – 4:35
"Somewhere Else to Be" – 3:05
"Untitled" – 3:42
"You" – 4:55

Flames en live à la Islington Academy in London, le 2 avril 2008

VAST/V.A.S.T. - Visual Audio Sensory Theater est avant tout le projet d'un seul homme : Jon Crosby. Crée au milieu des années 90, Vast sort son premier album, eponyme en 1998. L'album sera bien accueilli, essentiellement du au singles "Pretty When You Cry" et "Touched". Vast joue alors un rock ambiant et teinté d'indus, influencé par des groupes comme The Cure, Ministry, NIN, Nirvana et utilisant également des samples de chants grégoriens et de chants traditionnels bulgares.

Le groupe continue à enregistrer pour sortir en 2000, Music for People. L'album s'inscrit dans la continuité du premier mais apparaît comme plus mature et plus personnel. On retrouve à nouveau des samples de chants grégoriens ainsi que les arrangements de cordes (symphonique), cher à Vast. L'album en lui-même est plus homogène que le précédent et est d'une grande richesse, tant au niveau musical, vocal que paroles. Un album d'une grande force, émouvant et brutal à la fois. Les titres comme "Free", "We Will Meet Again" ou encore "Last One Alive" sont à écouter en priorité.

Les années 2000 voient Vast quitter le label Elektra et se lancer dans l'auto-prod via le label BlossomsMedia. A partir de cet instant, la plus part de ses albums, studio et live seront disponibles, soit en avant première, soit uniquement, via téléchargement. En 2002, Vast sort Nude. Cet album, pour beaucoup de fans, reste l'album majeur de Vast. Si l'album reste à nouveau homogène, très bien mené et sans contest, supérieur à Music for People, l'enregistrement fut réalisé dans des conditions chaotique : problèmes personnels pour Jon Crosby, financier et changement sans cesse de line-up. Aucun single pour cet album mais les titres comme "Turquoise", "Be With Me" et "Thrown Away" sont souvent plébicité en concert.

Puis Vast sort A Complete Demonstration (inédits et démos du premier album) en 2005 et Turquoise and Crimson (double album où figurent les titres de Nude mais remixés par Jon Crosby lui-même et des inédits ; l'album est plus brute que Nude) en 2006. Le cinquième album de Vast, April, sort en 2007. Cet album, toujours très bien accueilli par les fans, est plus calme, plus éthéré et essentiellement acoustique. Il peut être également considéré comme un album charnière dans la carrière de Crosby puisqu'il se lance depuis peu dans un projet solo : chansons folk et mélancoliques, épurées - il a déjà sorti, via téléchargement trois album solo : Generica 1, 2 et 3.

Néanmoins, Jon Crosby ne compte pas arrêté Vast puisqu'un nouvel album serait en préparation et prévu pour 2008-2009 (titre provisoire : Closed Romantic Realism) et serait plus proche des premiers opus du groupe.

Discographie :

(studio)

Visual Audio Sensory Theater (1998)
Music for People (2000)
Nude (2004) 456 Entertainment
Turquoise & Crimson (2006)
April (2007)

(live, album online, demos, ...)

VAST Is... (1998) Elektra
Turquoise & Crimson (2004)
A Complete Demonstration (Online version) (2005)
April (Online Version) (2006)
Live at CBGB's (2006)
Seattle 2007 (2007)

Dans la tête de Steve..

2009-02-03T21:00:00.000+01:00

Ce soir, j'ai recu de mes amis virtuels de l'autre côté de la terre, ce "vodcast" relatif à la démarche créative de Steve Kilbey et de Martin Kennedy lors de l'éloboration de leur nouveau "side project"commun.

"KK is a musical collaboration between legendary singer/ songwriter Steve Kilbey & All India Radio’s Martin Kennedy. The collaboration could easily be called A Tale of Two Cities with Martin, who wrote the music, living in Melbourne and Steve who wrote the lyrics, residing in Sydney. Before the two had met or even spoken, Steve’s brother John Kilbey from Karmic Hit records, had arranged for the two musicians to collaborate on an album. Together Steve and Martin have been working on the KK album, via long distance and when time permits, over the last 18 months. The album is in the final stages of mixing by Simon Polinski and is due for release through Karmic Hit in March and promises to be an aural gem of 2009. Prior to the KK project, both Steve and Martin have enjoyed successful recording careers in their own right. Martin through his work in All India Radio and Steve who is probably best known for his work as the lead singer and bass player from the iconic band The Church. Steve’s recording career stretches back twenty three years and also includes an impressive back catalogue of quality releases as a solo artist. He has truly lived the rock’n’roll dream touring the world with hit singles and he's also an inspired painter to boot. If you have just discovered Steve and Martin now, you have so much incredible music and artwork to discover. Below are some web links from which to start:"

www.myspace.com/kilbeykennedy
http://stevekilbey.blogspot.com/
http://www.stevekilbeyart.com/
www.thechurchband.com/
http://www.karmichit.com
http://www.myspace.com/allindiaradio

Directed by Matt Hopper
Shot by Richard Hosking and Winfred K
Edited by Matt Hopper

Le garcon avec des yeux rayons X

2009-02-01T08:23:00.000+01:00

Non, non...ce n'est pas un billet sur la chanson de Gene Simmons présent sur Dynasty...

Il s'agit du Space rock de très bonne facture du milieu des années 90 avant plein de nappes, de séquences, de claviers et de grosses guitares...Un tube, un seul disque, l'oeuvre d'un seul homme: Jass Mann...

Jas, dont le véritable nom est Jasbinder, est né à Dudley dans l'Ouest des Midlands le 24 avril 1971. Jas Mann est Indien, ou, pour être plus précis, est Pendjabi. Ses deux parents sont nés dans des villages du Pendjab, dans le Nord-Ouest de l'Inde, près de New Delhi. Même s'il est né à Dudley, Jas a grandi à Wolverhampton. Ses dernières années à l'école publique ont été entreprises à l'école Pendeford High School. Les activités sportives ont pris de l'importance, il a découvert qu'il avait beaucoup de talent dans les sports. Il a pratiqué le football, le tennis et le cricket à divers niveaux. Cependant, sa passion pour la musique s'est développée alors qu'il était encore à l'école secondaire. À l'âge de 15 ans, lui et son ami Adam Toussiant ont formé un groupe qu'ils ont appelé « The Glove Puppets ». Ils ont consacré temps et énergie à ce projet en passant leurs soirées à répéter et jouer dans les clubs, les pubs et les collèges. Leur détermination était tellement grande qu'ils ont même financé personnellement l'enregistrement d'un single sur vinyle qu'ils ont vendu dans des magasins de disques locaux. Le single, produit avec un faible budget en 1987, n'allait pas leur apporter la célébrité et la fortune, mais il a tout de même permis de démontrer qu'un nouveau talent était en train d'émerger. Pour les intéressés, le single a été publié comme double face A et contient les chansons « This Head » et « Girl in a Shell ».

The Sandkings, un autre groupe de Wolverhampton ayant beaucoup d'admirateurs, étaient enthousiastes à ce que Jas devienne leur chanteur. Après beaucoup d'insistance, Jasbinder a exaucé leurs souhaits. Le groupe était composé de Jas Mann (voix), Dave Brown (basse), Glenn Dodd (guitare/chœurs) et Terry Kirkbride (batterie/chœurs). Le nouveau mariage allait profiter à tout le monde, permettant aux Sandkings et à Jas Mann, avec ses longs cheveux noirs, d'apparaître à la télévision. Un certain nombre de singles et d'albums ont été produits et les Sandkings allaient devenir un nom très connu à Wolverhampton, recevant beaucoup de publicité, mais le divorce était proche. Certains des singles des Sandkings avec Jas étaient « Hope Springs Eternal » (1988), « All's Well With The World » (1988), « Shake Your Head », (1991), « Temple Redneck » (1991) et « Let It Grow » (1992).

Jasbinder, grâce à sa personnalité dominante, pouvait voir que les choses ne progressaient pas. Il y avait trop d'idées et de suggestions qui ne coïncidaient pas avec les siennes. Le seul moyen d'avancer était de quitter le groupe. Grâce au soutien de ses amis et de ses associés d'affaire, c'est ce qui allait se produire, ce qui allait mener à la formation de Babylon Zoo. 1995 est aussi l'année où Spaceman a été conçu, du moins pour le marché commercial, ainsi que l'album « The Boy With The X-Ray Eyes ». À cette époque, Babylon Zoo avait signé un contrat avec W.E.A. (Warner Bros.), le single avait été enregistré, la vidéo avait était tournée, tout était en place, mais soudainement, les choses se sont arrêtées. Des développements sont survenus, le directeur général de Warners, Clive Black, a signé un contrat avec EMI Records en tant que directeur général. Clive avait tellement confiance en Jas Mann que lorsque le contrat a été signé, une condition stipulait que Jas devait également signer un contrat avec EMI. Tous les CD Spaceman de Warner Bros. et le vidéo ont dû être jetés. Tout le travail de Babylon Zoo a aussi changé de mains.

Le CD et la vidéo ont dû être enregistrés de nouveau sous la nouvelle étiquette. Pendant ce temps, Spaceman jouait sur les ondes d'une station de radio locale à Manchester. À ce moment la chanson n'était pas encore sortie en single. Parmi les auditeurs de la station de radio, il y avait des gens qui préparaient la prochaine publicité de Levi's. Ils ont choisi la chanson comme thème de leur campagne. La publicité des jeans Levi's a été présentée à la télévision britannique vers la fin de l'année 1995.

George Michael, après une absence de cinq ans, a sorti son album « Jesus to a Child », qui a atteint le sommet des palmarès. Le single de Spaceman est officiellement sorti sur le marché britannique une semaine plus tard, le 15 janvier 1996. Le single a submergé le marché britannique, 500 000 copies ont été vendues au cours de la première semaine. Il a battu un record en devenant le single d'un nouvel artiste se vendant le plus rapidement dans l'histoire de la pop britannique et a délogé George Michael du numéro un. Le directeur du Virgin Megastore à Birmingham a déclaré que Babylon Zoo vendait 9 copies pour chaque copie de l'album de George Michael, qui en a vendu 56 000. Les ventes de Spaceman ont commencé le lundi et rendu au jeudi, Babylon Zoo était numéro un. Le single est resté au sommet pendant 5 semaines (au Royaume-Uni). D'autres copies ont dû être fabriquées en raison de la demande énorme.

La chanson Spaceman exprime le besoin de rester soi-même malgré la pression de l'entourage, de la même façon qu'un visiteur venu d'une autre planète ne subirait pas les influences de la Terre. Il y est question de reconnaître que nous avons tous notre « spaceman » (astronaute), une projection de notre âme intérieure. Nos personnalités extérieures sont facilement affectées par notre environnement, mais nous devons rester soi-même et ne pas compromettre notre « spaceman ». « J'écris sur ce que ce serait pour une personne venue d'une autre planète plutôt que de faire de la science-fiction romancée », explique Jas. Babylon Zoo a une vision de la libération personnelle qui encourage à poser des questions sans prêcher une série de réponses proscrites.

Jas affirme « Vous n'avez pas à m'écouter, éteignez cela, déchirez le papier, brisez le disque; Je ne suis pas ici pour dire vous devez m'aimer ». La musique et la présentation artistique et visuelle ont été produites dans un studio à Wolverhampton – New Atlantis Productions.
Jean François CecilIon, président et directeur général de EMI Records pour le Royaume-Uni et l'Irlande, a déclaré « le succès phénoménal de Babylon Zoo prouve que la musique britannique est ardente. Nos compagnies partout dans le monde se préparent pour un numéro un ».
Clive Black, directeur général de EMI pour le Royaume-Uni à l'époque et responsable d'avoir fait signer un contrat au groupe, a commenté « Le succès de Spaceman a été extraordinaire! Il semble qu'il s'agisse du single de EMI qui s'est le mieux vendu depuis les Beatles dans les années 1960 et nos usines fonctionnent jour et nuit pour répondre à la demande. Et ce n'est que le début... ».

Le 5 février 1996, Babylon Zoo a sorti son premier album sous EMI U.K., qui est entré au numéro 6 des palmarès. Le titre « The Boy With The X-Ray Eyes » provient du surnom de Jas lorsqu'il était jeune. L'album a été enregistré en grande partie dans le propre studio de Jas, The New Atlantis, dans sa ville de Wolverhampton. En plus d'écrire et de produire l'album, il a aussi joué tous les instruments en utilisant souvent des techniques étonnamment lo-fi pour obtenir un résultat sophistiqué et moderne.

Le son de guitare hyper chargé de l'album est obtenu en branchant une guitare usagée bon marché et un ampli directement dans la table de mixage. Les voix déformées des alter ego de Jas Mann, les différentes voix de ses multiples personnalités sur l'album sont rehaussées par un porte-voix jouet et des objets qu'il avait à sa portée dans sa chambre à coucher plutôt que par des appareils au coût exorbitant. Mais ces effets simples ont permis de créer un son puissant de grande qualité.

« Comme un acteur, l'album est une plate-forme pour mes sentiments à l'égard des gens qui m'entourent », explique Jas Mann, dont la catharsis personnelle est interprétée sur « The Boy With The X-Ray Eyes », en exprimant ses diverses voix intérieures.

L'album est une bande sonore sans film, un opéra moderne sans script dans lequel les membres du groupe sont des acteurs jouant avec le rock 'n' roll. Bienvenue à la première partie; voici la genèse d'un monde selon Babylon Zoo. Le 15 avril, Jas Mann et Babylon Zoo sortent un nouveau single intitulé « Animal Army ». Remplie de cris d'éléphants, de lions et de léopards, la chanson décrit la jungle se trouvant dans l'imagination de Jas.

Animal Army, tiré de l'album, a été le successeur du single d'un nouvel artiste s'étant vendu le plus rapidement de l'histoire. Spaceman et l'album ont atteint le sommet des palmarès partout en Europe. Spaceman a atteint la première position dans 20 pays et s'est vendu a plus d'un million d'exemplaires au pays. « The Boy With The X-Ray Eyes » a atteint le Top 20 dans 17 pays, incluant l'Australie, la Nouvelle-Zélande et le Canada.

Babylon Zoo a sorti la chanson titre de son premier album, The Boys With The X-Ray Eyes, sous forme de single le 16 septembre 1996.

La vidéo de cette chanson a été filmée alors que le groupe jouait sur le toit du Canary Wharf à Londres. Au cours du mois de septembre, le groupe a fait une tournée en Europe. Ils ont joué en Allemagne, en Pologne, en Tchécoslovaquie, en Hollande et ils ont terminé à l'Astoria de Londres, au Royaume-Uni, le jeudi 26 septembre 1996.

Et après plus rien.....

Animal Army
Spaceman
Zodiac Sign
Paris Green
Confused Art
Caffeine
The Boy With The X-Ray Eyes
Don't Feed The Animals
Fire Guided Light
Is Your Soul For Sale?
I'm Cracking Up I Need A Pill

Babylon Zoo - the boy with the x-ray eyes (1996)

Des plaisirs démodés.

2009-01-31T18:38:00.000+01:00

1988...Camping de Barfleur sous brouillard éthylique, Fossés St julien sous un pâle soleil d'hiver, Restaurant Universitaire...
1988...Baladeur à cassette, l'autoradio de la Peugeot 104, le Ghetto-Blaster de la copine...
1988...A l'époque, Internet n'existait pas. "Starfish" de The Church qui arrive en France...
Une des méthodes pour trouver des bons disques consistait à prendre des galettes de vinyls dont les pochettes comportait les éléments suivants: la mention de l'utilisation d'une 12-cordes et un design artistique mélant savamment romantisme et culture underground. C'est de cette façon, que je suis tombé, tout a fait par hasard, sur deux petites merveilles au milieu des bacs de chez ALTERNATIVE (Rue Demolombe à Caen) de Johan Asherton "God's clown" et "Precious".

Johan Asherton naît en 1958. Ses parents sont tous les deux musiciens classiques. Enfant, il apprend le violon, puis le piano. Mais c’est en découvrant Jimi Hendrix en 1970 que va naître sa fascination pour la guitare électrique et la musique pop en générale. Au cours des années 70, il connaît diverses expériences musicales en jouant au sein de quelques groupes de rock. C’est a cette époque qu’il découvre entre autre Marc Bolan & T-Rex, Bob Dylan, Johnny Winter ou encore Rory Gallagher, qui auront une influence majeure sur lui.

Au début des années 80, Johan enregistre un premier single "Harlequin" en 1981, puis forme The Froggies, groupe de rock garage-punk dont il sera le leader (chant et guitare). Suivront deux albums des Froggies « Hour Of The Froggies » en 1984, puis « Get Frogg’d », en 1985. En 1987, il rejoint le groupe Liquid Gang (Blues) avec lequel il enregistre l’album « Showdown ».

Au milieu des années 80, Johan Asherton connaît une période de flottement. C’est là qu’il découvre (ou redécouvre) peu à peu la musique Folk des années 60 et 70, à travers des artistes comme Townes Van Zandt (qu'il rencontrera en 1992 et à qui il dédit la chanson "Ode to Townes"), Bob Dylan, Leonard Cohen, Tim Hardin, David Blue, Donovan, Nikki Sudden, et surtout Nick Drake, artiste au destin tragique, qui hantera Johan pour toujours. Il s’immerge totalement dans cet univers folk ou il puise toute son inspiration. Il abandonne peu à peu la guitare électrique pour s’orienter exclusivement vers la guitare acoustique qui devient son instrument de prédilection.

En 1988, Johan Asherton sort ainsi son premier album solo « God’s Clown », une réussite à tous points de vue, dans une veine résolument folk, sur lequel figure notamment le titre « Phantom ».

Suivront « Precious » (1989) et « The Night Forlorn » (1993), comprenant des titres phares de Johan Asherton comme « Truly Continental Blue », ou « The Smiles Of Yesterday ».

En 1995, il sort « The Moon, Soon », son album le plus épuré, le plus sombre, le plus intimiste, dans lequel il rend hommage à Nick Drake.

Avec « Under The Weather » en 1996, il revient à une instrumentation plus riche et des titres plus rythmés comme « Offender ». En 1998, il sort « Bluesology », proposant des compositions qui lui ont été inspirés par Bert Jansch, Davy Graham, ou encore Wizz Jones. Il ouvre les années 2000 avec « Trystero’s Empire », certainement son album le plus éclectique, avec notamment les titres « High Above The City » ou « Master Of Strokes ».

Enfin, en 2005, arrive l’incontournable « Amber Songs », que beaucoup considèrent comme son meilleur album, et que la critique n’hésitera pas à classer dans les meilleurs disques de Folk toutes époques confondues.

Entre ses propres albums, Johan Asherton à participé à d’autres projets musicaux: hommages à Dominique Laboubée, Nikki Sudden, participation avec la chanteuse Charlotte Greig à l'anthologie de folk Anglais "John Barleycorn Reborn"; apparitions sur les albums de Stéphane Dambry, Hervé Grall, et de Ginger Ale. Il consacre aussi une partie de son temps à l’écriture de recueils de poèmes. Il est également l’auteur d’une biographie de Marc Bolan & T.Rex, dont il a sorti un album de reprises, "Cosmic Dancer: A Tribute To Marc Bolan", en Septembre 2007.

Johan Asherton lors de la cérémonie du souvenir pour Marc Bolan le 16 septembre 2007 au Golders Green Crematorium

Un nouvel album est en préparation, prévu pour fin 2008.

Johan Asherton puise son inspiration dans différents domaines artistiques. Il y a d’abord la littérature et la poésie romantique, à travers des auteurs comme Maupassant, Théophile Gauthier, Thomas Hardy, Anne Radcliffe ou Elizabeth Siddall. Il s’intéresse également beaucoup aux peintres du mouvement Pré-Raphaelite, ou encore au cinéma à travers des réalisateurs comme Werner Herzog, Luchino Visconti ou Mike Leigh. En mêlant toutes ces influences, Johan Asherton s’est créé un univers musical qui lui est propre, une sorte de folk romantique, sombre, peuplé de mythes et de légendes, où solitude, sensibilité et sérénité sont les maîtres mots.

Extrait du concert du 12/01/2007 à Danertal - Théatre du Robec

La machine à trips cosmique...

2009-01-30T22:07:00.000+01:00

LORD SPACE DEVIL: un album de rock psychédélique avec des morceaux qui défient toutes les contraintes et qui explorent toutes sortes de territoires sonores et soniques...Rien ne manque à l'appel: les effets, les films de séries B, Syd Barrett, Donovan, les éclaboussures de soleil de la West Coast, des instrumentaux à la sitar saturée, des solos de guitares lysergiques, de la psychedelia, du folk électrique, du garage rock aux arrangements subtiles, du blues psychédélique anglais...

COSMIC TRIP MACHINE est composé de...

Will Z. : guitare acoustique, chants, sitar, basse, orgue, clavier Siel, Antonelli plastic shit, percussions, bâton de pluie, tambourin, gong, cris
Majnun : guitare éléctrique, acoustique et classique, guitare-sitar, percussions, flute, voix sataniques (narration)
JP : enregistrement et mixage, thé, eau (Evian ou Bru, nous ne savons plus), dresseur de Google

Produit par Will Spector (wall of sound) et Jimmy Pakkes

Enregistré et mixé par Jean-Pol Gerard au NoHype Studio entre mars et avril 2008
Masterisé par Paul Van der Jonckheyd chez Foon
Artinasalement (sic) distribué par Open your Eyes Production

On peut avoir de plus amples informations sur le site de ce très bon combo belge. De plus, leur album est disponible gratuitement ici.

La seule vidéo disponible sur Youtube n'est pas représentative de l'album...Elle donne juste une bonne idée de la grande qualité de ces fieffés musiciens.

Great & groovy guitar psychedelic rock music

2009-01-30T21:33:00.000+01:00

Quoi!!! Bertrand Burgalat chroniqué sur un blog donnant dans le rock psychédélique...Eh oui, Burgalat est le fondateur du label Tricatel (rappelez vous, dans "l'aile ou la cuisse", c'était le nom de l 'entreprise de Louis de Funès spécialisée dans l'alimentation industrielle) orienté french touch...c'est aussi un producteur reconnu qui a travaillé, entre autre, avec Air, Jad-Wio (Rhâââ Lovely...Allez de ce pas acheter ou voler "Fleur de Métal"de ce combo diaboliquement sexy!), Valérie Lemercier (avec notamment le fameux tube "Goûte mes frites), Philippe Katerine et Michel Houellebecq (Non..ne partez pas...). Ses influences oscillent entre le yé-yé et "la musique folklorique de la Ruhr" dont Kraftwerk se trouve être les dignes représentants. De plus, BB (comme on l'appelle dans le milieu!!!) est un spécialiste de la dissonance et de la transgression. Ce trait de caractère éminemment sympathique le place plus dans le domaine de l'avant garde de la musique contemporaine que dans celui de la pop insipide...
En 2001, BB se rapproche de A.S dragon, le backing band de Tricatel, qui a des velléités d'émancipation. Le résultat est stupéfiant...et je pèse mes mots...Un album live d'une rare intensité composé d'une majorité de titres instrumentaux (et c'est tant mieux, car la voix de BB est à la limite du supportable!!!) naviguant entre le Space, le Psychedelic et le Hard-groove Rock...

Bertrand Burgalat - vocals, piano, electric piano, organ
Michael Garcon - organ, synthesizer
Peter Von Poehl - guitar, background vocals
Count Indigo - vocals
Toby Dammit - tambourine
Fred Jimenez - bass guitar, background vocals
Herve Bouetard - drums, background vocals

1 Follow Me 4:01
2 Alsthom 5:32
3 Ma recontre 4:14
4 Kim 7:13
5 Gris métal 3:57
6 O.K. Skorpios 4:20
7 Aux cyclades électronique 4:45
8 Sugar 5:44
9 Jalousies et tomettes 4:35
10 A.S Dragon 3:13
11 The Tears of a Clown 7:02

CHAUDEMENT RECOMMANDE!!!!
Bertrand Burgalat meets AS DRAGON (2003) partie1
Bertrand Burgalat meets AS DRAGON (2003) partie2

Un de mes disques cultes!!!

2009-01-28T22:43:00.000+01:00

The Glove est une expérimentation, un « side project » qui réunit deux musiciens issus de deux groupes différents, Robert Smith (The Cure) et Steve Severin (Siouxsie and the Banshees).
Ce projet à été réalisé en 15 jours à peine, à grand coup de soirées film d’horreur et sous l’emprise de substances type LSD et autres produits hallucinogènes, ce qui donne à ce disque qui sera le premier et le dernier, une couleur si psychédélique.

En effet, Smith et Sevrin profitent de l’enregistrement du second album de « The Creature », le projet également parallèle de Siouxsie et Budgie (les deux autres membres du goupe Siouxsie and the Banshees), pour réaliser enfin leur projet imaginé déjà quelques années plus tôt.
Smith, lié par contrat pour chanter exclusivement sur The Cure (en suspension à cet époque après l’éprouvante tournée de Pornography et la séparation d’avec leur bassiste Simon gallup), n’eut l’accord de son producteur Chris Parry de poser sa voie que sur deux chansons : Mr Alphabet Says et Perfect Murder.
Une amie du groupe chantera donc les autres chansons (Janette Landray).

CD1 - Original album (and bonus tracks) (1983).
CD2 - Rarities (1983)

et le chapelier fou vous présente:

Track Listing:

1-1. Like An Animal (4:44)
1-2. Looking Glass Girl (4:56)
1-3. Sex-Eye-Make-Up (4:22)
1-4. Mr. Alphabet Says (3:50)
1-5. A Blues In Drag (3:12)
1-6. Punish Me With Kisses (3:40)
1-7. This Green City (4:34)
1-8. Orgy (3:19)
1-9. Perfect Murder (4:27)
1-10. Relax (6:13)
1-11. The Man From Nowhere (Original Instrumental Mix) (1:46)
1-12. Mouth To Mouth (Landray Vocal Mix) (5:40)
1-13. Punish Me With Kisses (Mike Hedges Mix) (3:30)
1-14. The Tightrope (Original Instrumental Mix) (3:22)
1-15. Like An Animal (12" Club What Club? Mix) (5:38)

2-1. Like An Animal (RS Vocal Demo) (4:38)
2-2. Looking Glass Girl (RS Vocal Demo) (4:28)
2-3. Sex-Eye-Make-Up (RS Vocal Demo) (4:27)
2-4. Mr. Alphabet Says (Alt RS Vocal Demo) (4:06)
2-5. A Blues In Drag (Alt RS Vocal Demo) (3:11)
2-6. Punish Me With Kisses (RS Vocal Demo) (3:30)
2-7. This Green City (RS Vocal Demo) (4:31)
2-8. Orgy (RS Vocal Demo) (3:41)
2-9. Perfect Murder (Alt RS Vocal Demo) (4:04)
2-10. Relax (Alt RS Vocal Demo) (6:15)
2-11. The Man From Nowhere (Alt Instrumental Mix) (1:47)
2-12. Mouth To Mouth (RS Vocal Demo) (6:06)
2-13. Opened The Box (A Waltz) (RS Vocal Demo) (1:29)
2-14. The Tightrope (Almost Time) (RS Vocal Demo) (3:14)
2-15. And All Around Us The Mermaids Sang (AKA Torment) (RS Vocal Demo) (3:26)
2-16. Holiday 80 (Original Instrumental Mix) (1:45)

The Glove - Blue Sunshine (1983) [2006 Deluxe Edition] - Disc 1
The Glove - Blue Sunshine (1983) [2006 Deluxe Edition] - Disc 2

En selle pour un soleil mélodieux !!!

2009-01-28T21:54:00.000+01:00

Un de mes découvertes vraiment sympa de ses dernières années...dénichée à l'époque sur le blog "Lost in tyme". Le soleil brille désormais en permanence sur Glasgow depuis l'arrivée des Cosmic Rough Riders. Leur pop impeccable, délicate et harmonieuse amène un sourire sur les highlands. Ce n'est certainement pas une coïncidence s'ils ont été signe sur POPTONES le nouveau label d'Alan McGee (ancien découvreur des Teenage Fanclub). Tout comme ces derniers, les Cosmic Rough Riders apprécient la musique des Byrds et des late 60's... Daniel Wylie et Stephen Fleming écrivent de superbes chansons pop qui vous agrippent et qui ne vous lâchent plus de la journée, mais la comparaison s'arrête la. Les mélodies pop, matinées d'un peu de la tradition du folk anglais chère a Donovan ( écoutez vite "Glastonbury"!!!), sont si abouties qu'elles forcent l'admiration. Si le monde dans lequel nous vivons était juste, "The Loser", et le joyau "the pain inside" seraient en tète de tous les classements de fin d'année pour les vingt ans à venir. De véritables perles de songwriting artisanal, sans arômes artificiels ajoutés...Une sensation inédite depuis longtemps... "Enjoy the Melodic sunshine" est, pour moi, le meilleur disque de 1969 qui soit sorti en 2001!

Tracklist:

Brothers Gather Round
Gun isn't Loaded
Glastonbury Revisited
Baby you're so Free
Value of life
Revolution (in the summertime)
Have you Heard the News Today
Sometime
Melanie
Pain inside
Charm
Loser
You've got me
Emily Darling
Morning Sun

Cosmic Rough Riders - Enjoy the melodic sunshine

Wizz!!!

2009-01-27T17:50:00.000+01:00

Aaahh...Le charme discret des late sixties. J'ai déniché sur un audioblog une pitite perle de pop vintage à la française. A écouter d'urgence en buvant un Bitter Sanpellegrino sous un portrait de Charles de Gaule.
Wizzz: Psychorama Francais 1966-1971 est une fabuleuse retrospective musicale qui a su capturer les excès musicaux (et autres) de cette époque. Les chansons présentes dans cette compilation oscillent entre Now Sound grooves, funk fleurant bon la blaxploitation, psychédélisme naïf et pop à papa, le tout agrémenté de guitares et d'orgues totalement fuzzy, de rythmes syncopés, de cuivres flambloyants et de lignes de basses terriblement sexy!!!

Tracklist:

1. Les filles c'est fait... -- Charlotte Leslie
2. Rouge rouge -- Christie Laume
3. À dégager -- Les Fleurs De Pavot
4. Sexologie -- Danyel Gerard
5. Je m'ennuie -- Richard De Bordeaux
6. Champs Élysées -- Christiene Pilzer
7. Exitissimo -- William Sheller
8. Le papyvore -- Les Papyvores
9. Le pape du pop -- Stéphane Varègues
10. Psychose -- Messieurs Richard De Bordeaux & Daniel Beretta
11. Avec les oreilles -- Monique Thubert
12. Bernadette -- L'oeil
13. La drogue -- Messieurs Richard De Bordeaux & Daniel Beretta
14. Cuisses nues, bottes de cuir -- Philippe Nicaud

V.A. - Wizzz: Psychorama Francaise (1968 - 1971)

Run Essence version 3.0

2009-01-27T17:39:00.000+01:00

Raz de marée d'électrons dans le tube cathodique de mon moniteur,
feulements de fractales...
je me matérialise dans cet océan primordial peuplé de créatures électroniques dans lequel les softwares chantent et où le hardware ondule nonchalemment au grès des courants électriques....

Etrange univers que le monde virtuel, où tout le monde peut acquérir les pouvoirs d'un dieu...
La réalité ne nous plait pas...Abracadabra, on appuie sur un bouton, on fait danser l'extrémité de nos appendices préhensiles sur un clavier constitué de lettres et de chiffres et hop , nous voici projetés dans un autre monde...
Pas un monde parfait...puisqu'il s'agit un reflet de notre civilisation! Mais une sorte de reflet que l'on peut modeler selon ses envies et ses désirs...
Dans ce monde, votre humble serviteur s'est transformé en créateur et manipulateur de représentation d'êtres ou de choses...
Dans ce monde, votre humble serviteur est devenu un musicien, virevoltant au sein des arcanes mystérieuses du solfège dans ma tenue de technomancien des studios virtuels...
Dans ce monde, votre humble serviteur est devenu une sorte d'Indiana Jones parcourant la toile à la recherche de merveilles oubliées...
La dimension pratique de l'existence de ces autres plans de l'existence est évidente...La masse d'informations mise à disposition est fabuleuse,c'est gratuit et le gain de place est considérable (surtout quand on a une compagne, deux enfants, une chatte et autres homonconlus de tous poils...)
La vie avançant, le temps imparti pour l'immersion quotidienne dans ce monde parallèle se réduit comme une peau de chagrin...je vais essayer de réduire la pression du "psychédélia & creativity department" par la rédaction de pitits billets

Fondu au blanc, rentrée dans la lumière...